Por Bruna Castro e Edu Botelho

“O mundo é um parque / Que roda gigante / Que brilha azul / Na imensidão do céu” .

Esses são os primeiros versos da música Xuxa Park, tema de abertura do programa de mesmo nome. Xuxa já era referência como apresentadora de programas infantis, e seus discos já tinham vendido milhões de cópias por todo o país. A Rainha dos Baixinhos não era apenas uma apresentadora; era o epicentro de uma indústria que vendia milhões de álbuns e ditava o ritmo das festas de aniversário de norte a sul.

Você, criança dos anos 80/90, que cresceu ouvindo os grandes clássicos de A Turma do Balão Mágico, Trem da Alegria, Xuxa, Os Abelhudos e A Patotinha, já se perguntou o que houve com as músicas infantis nos últimos anos?

A transição de grandes hits atemporais feitos exclusivamente para o público infantil, para um número extremamente reduzido de produções artísticas cantadas, quase sempre acompanhadas de recursos audiovisuais, fez parte de debates midiáticos acerca da exposição de crianças na mídia e do tipo de canções que estão sendo ouvidas por elas.

Ao lado de Xuxa, outras cantoras e cantores fizeram músicas infantis de bastante sucesso. Durante muitos anos, as festas infantis foram embaladas por canções como “Ilariê”, “He-man” e “Carimbador Maluco”. Mas, com o passar do tempo, muitas pessoas têm a sensação de que as crianças dos anos seguintes passaram a ouvir um menor número de canções voltadas para elas. Será que existe uma crise no mercado de produção de músicas infantis?

A Gênese do Lúdico: Do Folclore à Sofisticação

A compreensão da música voltada aos pequenos exige entender como o Brasil passou a enxergar a infância. Se na Idade Média a criança era um "miniadulto", foi a partir do século XVI que ela ganhou o status de um ser em fase de formação, carente de cuidados e estímulos específicos. No Brasil, essa semente germinou nas cantigas de roda portuguesas, adaptadas com o "jeitinho" nacional em clássicos como "Cai, Cai, Balão" e "Atirei o Pau no Gato".

O rádio, na primeira metade do século XX, deu voz a essa produção através de intelectuais como Monteiro Lobato e Érico Veríssimo. Contudo, o salto estético ocorreu nas décadas de 60 e 70. Enquanto a Jovem Guarda trazia a pureza do quintal, a MPB elevava o gênero ao patamar de obra de arte complexa com a parceria entre Vinicius de Moraes e Toquinho em “A Arca de Noé”", e a genialidade de Chico Buarque em “Os Saltimbancos”. A música deixava de ser meramente pedagógica para ser poética e tecnicamente refinada.

A "Era de Ouro" comercial dos anos 80 e 90 converteu esse lúdico em um império bilionário de licenciamento. Todavia, a virada para o século XXI impôs uma ruptura. Com o declínio da TV aberta, o protagonismo migrou para o audiovisual digital. O surgimento de sucessos como a Galinha Pintadinha, de 2006, marcou o início da soberania do algoritmo, na qual a música raramente existe sem o clipe, e o sucesso é medido pelo número de visualizações.

O Algoritmo no Compasso: A Nova Face do Mercado

Nesse novo oceano digital, a produção independente tenta encontrar seu espaço. Edu Pio, criador do projeto Super Pamp, observa que o cenário em 2026 é radicalmente distinto daquele habitado por medalhões da MPB. "Hoje o artista não precisa de uma gravadora, ele pode ser totalmente independente, mas é um trabalho que não floresce do dia para a noite. É preciso plantar por anos", explica o músico.

Para Pio, a ausência de grandes nomes consagrados na produção infantil atual é, em grande parte, uma questão de foco e mercado. "Esses artistas incríveis, como Toquinho e Djavan, aproveitaram um mercado que tinha vendagem de discos. Mas eles não estavam ali respirando a infância, percebendo as nuances das crianças no dia a dia", afirma. Enquanto ídolos do passado viam no infantil uma oportunidade de catálogo, novos produtores lutam contra a efemeridade das redes sociais e a ditadura dos estímulos rápidos.

O desafio é hercúleo: competir com fenômenos como Mundo Bita e Galinha Pintadinha. No Super Pamp, a estratégia foi substituir o CD e o DVD pelo livro físico com QR Code. "Ninguém mais compra artefatos físicos. O livro é uma saída porque o pai lê com o filho e não o deixa o tempo todo na frente da tela", destaca Edu, que evita produzir conteúdos curtos para o TikTok por respeito ao desenvolvimento cognitivo dos "miudinhos".

O Dilema do Consumo: Adultização ou Evolução?

A mudança no formato trouxe à tona uma problemática latente: a qualidade do que as crianças consomem. Patrícia Xavier, pedagoga e mãe de uma criança de 7 anos, sente a diferença na pele. "Na década de 80, a riqueza musical era evidenciada pelas letras e melodias. Atualmente, o conteúdo oferecido expressa o que elas veem nas redes: "muito estímulo visual e letras repetitivas", lamenta.

A pedagoga alerta para o fenômeno da hiperestimulação visual e rítmica presente em vídeos virais. Segundo Patrícia, as crianças estão ficando impacientes e com o pensamento acelerado em sala de aula, perdendo o foco em atividades que exigem concentração. "As melodias atuais impactam diretamente na apropriação do vocabulário. Existe um 'efeito chiclete' que expõe as crianças precocemente a ritmos e letras que sugerem uma dança adultizada", analisa.

Para Fernanda Takai, vocalista da banda mineira Pato Fu, “hoje o público mais novo tem acesso muito cedo a celulares e tablets, e a não ser pelo filtro de idade, pode ver coisas bem rasteiras”. Isso significa que, para a cantora, há a perda da conexão humana de verdade: “Hoje priorizam o mundo digital, descartam os parques, as bicicletas… tem criança que nem tem a oportunidade de ter um bichinho de estimação.”

Essa percepção de "adultização" do consumo cultural infantil é um dos grandes embates da década de 2010 e 2020. Com o acesso ilimitado às redes, não é raro ver crianças trocando as canções de ninar pelos hits de Anitta ou Ana Castela, impulsionadas por coreografias que dominam o Instagram e o YouTube.

Horizontes e Legados: O Futuro do Som Infantil

Diante desse cenário, quais os caminhos para a música infantil? Para Edu Pio, a resposta não está em lutar contra a tecnologia, mas em usá-la com propósito. Embora reconheça a utilidade da Inteligência Artificial em questões técnicas e burocráticas, ele recusa seu uso na composição. "A IA é uma ferramenta incrível, mas para compor não é uma verdade. Eu busco um legado a longo prazo, falando de preservação da natureza e amizade, e não apenas o que o algoritmo diz que vai dar certo", defende.

A esperança reside na retomada de uma curadoria parental mais ativa e no entendimento da música como ferramenta de desenvolvimento, e não apenas entretenimento passivo. Patrícia Xavier aconselha as famílias a resgatarem o hábito de ouvir música sem a dependência de uma tela. "O conselho é introduzir músicas que fizeram sucesso na nossa infância, que trazem boas lembranças e estimulam a linguagem e o fortalecimento dos laços afetivos", sugere a pedagoga.

A música infantil brasileira, portanto, não morreu; ela se fragmentou. Entre a sofisticação dos clássicos e a rapidez dos pixels, o desafio das novas gerações de artistas e educadores é garantir que, em meio ao ruído dos algoritmos, a criança ainda encontre espaço para, simplesmente, imaginar.

alguns defeitos podem ser perdoados se as intenções forem boas.

Editoria: Daniel Santos
Revisão: Lívia Ariane

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Assistir televisão foi um dos grandes, se não o maior, passatempo da minha infância e adolescência. Acompanhar telenovelas, minisséries e outros formatos televisivos era uma questão de rotina. Então, desde cedo fui inserida, assim como muitos brasileiros, nessa cultura.

Na TV brasileira, o criador da obra sempre foi a figura central: “uma novela de Gilberto Braga”, “uma novela de Manoel Carlos”, “uma minissérie de Maria Adelaide Amaral”... Ou seja, diferente do cinema, os diretores das ficções seriadas televisivas tendem a ser figuras não tão lembradas pelo público quanto os roteiristas criadores. Contudo, vez ou outra, um nome se destaca um pouco mais, marcando diferentes gerações. No meu caso, um desses nomes marcantes foi o de Dennis Carvalho, figura que sempre aparecia nos bastidores da Globo mostrados pelo Video Show (TV Globo, 1983-2019), responsável pela direção de diversas novelas que acompanhei enquanto crescia e que também pude assistir anos mais tarde, através do Globoplay.

Dennis Carvalho foi diretor, ator, produtor e dublador brasileiro, figura importantíssima para a história da TV Globo e da teledramaturgia brasileira. Como dublador, brilhou dando voz à Rusty em As Aventuras de Rin Tin Tin (ABC, 1954-1959) e Capitão Kirk em Jornada nas Estrelas (NBC, 1966-1969). Já como ator, participou de inúmeras obras, tanto em papéis principais como através de participações especiais, como nas telenovelas Antônio Maria (TV Tupi, 1968-1969) e Pecado Capital (TV Globo, 1975-1976) e no seriado Malu Mulher (TV Globo, 1979-1980). Porém, foi em sua carreira como diretor que Dennis Carvalho tornou-se referência na televisão, trabalhando em grandes obras como a novela Vale Tudo (TV Globo, 1988) e a minissérie Anos Rebeldes (TV Globo, 1992), ambas criadas por seu grande parceiro de trabalho, o autor Gilberto Braga.

Em um mundo de escritores, o nome de um diretor se destacou

Em um típico sábado da minha vida, acordo com a vontade de assistir a alguma novela. Logo, me sento em uma das cadeiras da mesa de jantar e abro o Globoplay em meu notebook. Decido assistir mais um capítulo de Corpo a Corpo (1984-1985), novela de Gilberto Braga, que chegou ao streaming do Grupo Globo apenas em 2025. A obra foca em Eloá (Débora Duarte), uma mulher ambiciosa, que tem seu casamento abalado após fazer um pacto com um homem misterioso. Um dos nomes que assina a direção da obra é Dennis Carvalho, ao lado de Jayme Monjardim. A ambientação construída para a obra, com referência direta ao filme Um Corpo que Cai (Alfred Hitchcock, 1958), dá um clima de suspense à narrativa, que se eleva à medida em que a protagonista constata que pode ter feito um acordo com o próprio diabo.

Talvez nesse mesmo dia (ou em outro), para desestressar e relaxar enquanto tomo café da tarde, decidi assistir a um capítulo da minha querida O Cravo e a Rosa (TV Globo, 2000-2001), de Walcyr Carrasco e Mário Teixeira. Na abertura, o nome de Dennis aparece novamente e, nessa obra, assinando a direção de núcleo.

Logo, em algum outro dia, decidi rever Celebridade (TV Globo, 2003-2004), minha favorita do Gilberto Braga, e qual nome aparece na direção novamente? Dennis Carvalho, que assina a direção geral e de núcleo. Nessa obra, o glamour, o luxo e o excesso do mundo dos famosos e daqueles que buscam sua fama ganham destaque a partir de cenários grandiosos e grandes participações especiais, inseridos em uma trama que destacava modelos, cantores, empresários e a grande mídia.

Muitos outros exemplos sobre a onipresença de Dennis Carvalho em meu repertório novelesco poderiam ser citados aqui, como Pecado Capital, Vale Tudo, Lado a Lado (TV Globo, 2012-2013) e Sangue Bom (TV Globo, 2013), novelas que tanto pude assistir enquanto crescia quanto tive o prazer de ver (e rever) com a chegada do Globoplay. Algo interessante é que essa assiduidade marcante do diretor pode ser vista a partir dos diferentes cargos: assistente de direção, diretor de cena, diretor de núcleo e diretor geral. Dennis Carvalho atuou em todas, consolidando-se não apenas enquanto um grande profissional da área, mas também como um respeitável formador de diretores na emissora, como pontuou José Luiz Villamarim em Tributo - Dennis Carvalho:

“O Dennis, eu acho, é o maior formador de diretores da Globo, eu não tenho a menor dúvida disso. Se você fosse um bom assistente de direção do Dennis, você viraria um grande diretor. Não é à toa que o Dennis promoveu diretores como Ricardo Waddington, como Luísa Lima, como Amora Mautner, como Henrique Sauer, eu… Ele é um grande formador de diretores”.

Um dos diferenciais do diretor estava na visível paixão pelo seu ofício e em seu amor pela TV, que aparecia na qualidade das obras em que dirigia, no empenho em formar mais diretores brasileiros, e também se mostrava a partir das participações especiais que fazia na televisão. Dennis Carvalho era uma figura recorrente no finado Vídeo Show, sendo sempre flagrado pela equipe do programa enquanto dirigia alguma produção, tendo o seu próprio bordão: “FORA VÍDEO SHOW”. Além disso, o diretor, sempre se inseria nas novelas e séries da TV Globo, às vezes interpretando um personagem mais relevante, como William MacPherson de Vale Tudo, figura central para a recuperação de Heleninha Roitman na reta final da obra, mas, também, apenas fazendo participações especiais e rápidas, como o Conde Drácula em O Beijo do Vampiro (2002-2003).

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Uma parceria que atravessou gerações

É praticamente impossível falar sobre o legado de Dennis Carvalho sem citar a longa amizade e parceria de trabalho estabelecida entre o diretor e o autor Gilberto Braga. Iniciada a partir de Dancin’ Days (1978), a parceria se estendeu por quase quatro décadas, tendo como ponto final a novela Babilônia (2015), último trabalho assinado por Braga antes de sua morte, que ocorreu em outubro de 2021.

“Conheci Gilberto em “Dancin´ Days” (1978). Comecei a dirigir por volta do capítulo 50. A partir de “Corpo a Corpo” (1984), falava todo dia com Gilberto. Ele era uma pessoa metódica, maníaca. Todas as novelas que fiz com ele, pelo menos 80%, o capítulo estava acabando no ar, eu já sentava na poltrona, me preparava, quando entravam os créditos, tocava o telefone. Todos os dias. Ele comentava o capítulo. Dizia o que tinha achado e eu dizia o que tinha achado. Nunca tive essa relação com nenhum outro autor. Éramos amigos mesmo, quase irmãos” – Dennis Carvalho sobre sua relação com Gilberto Braga. Fonte: Folha de São Paulo.

Até logo, Dennis Carvalho

No dia 28 de fevereiro de 2026, faleceu no Rio de Janeiro, aos 78 anos de idade, Dennis Carvalho, grande pai, ator, dublador, produtor, diretor e fã número 1 de Bituca. O diretor circulou pelas mais diferentes áreas, teatro, teleteatro, televisão e cinema, a partir das mais diferentes funções.

Se, na minha infância e adolescência, o nome Dennis Carvalho sempre me soou familiar, tal qual Gloria Perez, Walcyr Carrasco e Manoel Carlos, hoje em dia entendo o “toque de Midas” do diretor, envolvido diretamente em diversas das minhas novelas favoritas.

Dennis partiu, mas deixou um legado vivo no campo das telenovelas, minisséries e seriados nacionais, obras que, em sua maioria, estão disponíveis no Globoplay, e que podem ser assistidas e reassistidas por gerações antigas e pelas novas. Falar de Dennis Carvalho é falar da história da televisão brasileira e vice-versa. Portanto, para além de sofrer por sua morte, é importante também celebrar sua vida e o que ele construiu ao longo de quase 80 anos e, para isso, nada mais justo do que revisitar umas boas novelas.

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Editoria: Gabriel Barcelos
Revisão: Mayra Barbosa

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O rap nasceu como uma das linguagens mais potentes da periferia. Foi palco para denunciar injustiças, narrar o cotidiano e reivindicar a dignidade de quem sempre foi esquecido e negligenciado pela sociedade e o Estado. No Brasil, se estabeleceu como crônica urbana e instrumento político.

Mas, com a ascensão do rap ao mainstream, um questionamento eclodiu: até que ponto o talento e o sucesso individual se traduzem em representatividade real? — Como se bastasse vir da periferia para representar o rap, independentemente do que se diz.

A diferença entre o rap dos anos 1990 e o rap contemporâneo ajuda a entender esse debate. Na década de 90, a representação era construída de forma coletiva, com letras que retratavam a realidade das periferias brasileiras. Um exemplo marcante é “Capítulo 4, Versículo 3”, dos Racionais MC’s. Na música, a narrativa vai além da experiência individual e retrata o cotidiano de uma geração marcada pela violência, pelo racismo e pela exclusão social.

Por outro lado, parte significativa do rap que hoje ocupa o mainstream, como “Kenny G”, de Matuê, transfere o foco do “nós” para o “eu”, celebrando o sucesso, o consumo e a ascensão individual.

A difusão do rap pelas plataformas digitais e pelos grandes eventos fez o público confundir talento com voz coletiva. O que antes era expressão da coletividade das quebradas passou, em muitos casos, a ser vitrine de trajetórias individuais que pouco dialogam com as bases que sustentaram o gênero. Essa construção simbólica, foi convertida em um objeto de consumo.

Vale voltar um pouco no tempo para entender como esse deslocamento começou. Olhando para cada fase, dá para perceber como o discurso, a forma de produzir música e até a postura dos artistas foram se transformando.

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Anos 80:

Nos anos 80, surgiram os primeiros encontros de break e rap em São Paulo, principalmente na Estação São Bento e Rua 24 de Maio, com pioneiros como Nelson Triunfo.

Nesse período, as influências Estadunidenses eram norteadoras para a produção do Hip Hop no Brasil.

Anos 90:

Nos anos 90, o rap nacional ganhou força e visibilidade com grupos como Racionais MC’s, que abordavam abertamente desigualdade, violência urbana e racismo. O clássico “Sobrevivendo no Inferno” lançado em 97, dos Racionais, consolidou o gênero. Outros nomes se destacam nesse período como Facção Central, Xis e Sabotage, que emergem como novas vozes.

A força do rap estava diretamente ligada ao seu papel de denúncia social explícita e inegociável. Em “Diário de um Detento”, por exemplo, o Racionais MC’s constrói uma narrativa que transforma a experiência individual em documento histórico e denúncia coletiva do sistema prisional e do Estado penal brasileiro.

Da mesma forma, grupos como o Facção Central, em músicas como “Isso Aqui é uma Guerra”, produziam um discurso frontal, agressivo e incômodo, recusando qualquer tentativa de suavização estética ou adaptação mercadológica.

Nesse período, a representatividade não estava apenas na origem periférica dos artistas, mas principalmente no compromisso discursivo com a realidade social que narravam.

Anos 2000:

O início dos anos 2000 apresenta uma mistura de rap com samba, MPB, jazz, e outras sonoridades, com artistas como Marcelo D2, Nega Gizza e RZO abrindo novas possibilidades e vertentes. O rap do eixo Rio-SP ganha mais atenção, mas grupos de outras regiões, como Faces do Subúrbio (Recife), também se destacam. A década marca a “Era de Ouro” do gênero no Brasil (finais dos anos 90 até 2003), com festivais, publicações e prêmios específicos do segmento.

A diversificação estética que marca os anos 2000 não significou, necessariamente, um esvaziamento político do rap. Em “Qual é?”, Marcelo D2 incorpora elementos do samba sem abandonar a crítica social e a identidade periférica, demonstrando que a ampliação sonora podia coexistir com o discurso político.

De forma semelhante, o RZO, em “O Trem”, mantém a centralidade da vivência da classe trabalhadora e da periferia, ainda que explore novas formas narrativas e musicais.

Esses exemplos mostram que a transformação estética do rap não implicava, naquele momento, a ruptura com suas raízes sociais.

Anos 2010 e além:

Com a internet, o acesso e a produção do rap se tornou mais democrática, surgindo novas plataformas, batalhas de Mc’s e a proliferação de home estúdios e coletivos de rap. Uma nova geração surge, com letras modificadas e discursos sociais refinados, associados a produtoras e coletivos como Laboratório Fantasma, CASA1, Pineapple, DAMASSACLAN e Tudubom Records. O gênero se ramifica em subgêneros (trap, grime, boom bap, rap gospel, entre outros), e o rap de outras regiões ganha destaque nacional.

Parte do rap nacional passou a adotar discursos mais simbólicos e metafóricos, como em “Boa Esperança”, de Emicida, que mantém uma crítica estrutural ao racismo e às desigualdades, ainda que mediada por uma linguagem mais elaborada e menos direta.

No entanto, paralelamente, consolida-se um rap fortemente orientado pela lógica do mercado, como em “Novo Balanço”, de Veigh, onde a periferia surge mais como estética e cenário do sucesso individual do que como sujeito político coletivo.

Esse deslocamento mostra como o foco mudou: da denúncia social para a celebração da ascensão individual como principal narrativa.

O esvaziamento político e a intervenção mercadológica

O esvaziamento político do rap nacional começou a se acentuar a partir da segunda metade dos anos 2000, intensificando-se com o passar dos anos. Esse movimento está relacionado, entre outros fatores, a um momento em que o mercado passou a ditar mais regras (neoliberalismo) no Brasil, ao surgimento de novas temáticas no rap (como ostentação, mercado e estilo de vida), e à ascensão de uma nova geração de artistas menos centrada em críticas sociais diretas.

A indústria do entretenimento, com sua lógica comercial, percebeu o poder simbólico do rap e passou a moldá-lo em produtos. Pautas sociais se tornaram slogans, a estética da resistência virou tendência.

Com a consolidação do rap como produto cultural de massa, símbolos historicamente ligados à resistência periférica passaram a ser apropriados como estratégias de marketing. Enquanto músicas como “Fórmula Mágica da Paz”, dos Racionais MC’s, propunham reflexões profundas sobre violência, sobrevivência e humanidade, parte da produção atual reduz essas pautas a slogans ou elementos estéticos dissociados de um projeto político mais amplo.

Nesse contexto, a representatividade deixa de ser construída a partir do enfrentamento das estruturas sociais e passa a virar imagem pronta para consumo.

Parte do público também mudou, acompanhando essa nova lógica de consumo, uma das consequências da mudança no mercado. O que hoje é produzido massivamente já não dialoga com parte do ouvinte do rap de outrora, criando distanciamento e saudosismo.

Reforçar as raízes sociais e políticas do rap talvez seja mais urgente do que nunca, para que o gênero não tenha como principal referência músicas descartáveis e datadas, que causam um impacto subjetivo e passageiro.

A trajetória do rap brasileiro demonstra que sua força sempre esteve menos na visibilidade individual e mais na capacidade de traduzir experiências coletivas em discurso político.

Sem compromisso político e de emancipação, a representatividade corre o risco de virar apenas estética.

Editoria: Daniel Santos
Revisão: Lívia Ariane

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Por Gabriel Barcelos e Mayra Barbosa

Com uma prolífica carreira no samba de rua mineiro, Ana Eliza de Souza, nome de batismo de Dona Eliza, passa seus dias entre amigos em um lar de idosos no bairro Lagoinha, em Belo Horizonte, onde mora atualmente.

Seu nome surgiu durante a busca por representantes negras do samba mineiro para a matéria “Mulheres no Samba: o gênero musical em mãos invisíveis”, sobre a exposição “PRETAgonistas”, organizada pela décima terceira turma de Museologia da UFMG. Para quem não sabe, Dona Eliza é uma das personalidades mais emblemáticas da Velha Guarda do samba belorizontino, definido pelo ímpeto de se fazer samba mesmo quando o samba não era bem quisto na cidade e os meios para ser músico não eram tão amigáveis quanto seriam futuramente. Hoje, a conhecida Madrinha do Samba está com setenta e sete anos de idade, dentre os quais cinquenta e nove dedicou totalmente à música, contando com mais de setecentas canções e letras, algumas das quais estão compiladas no único CD que conseguiu lançar, em 2017, “O Diploma da Vida”.

Durante mais de uma hora e meia de entrevista – muito mais do que os trinta minutos que prometemos a ela no telefone – Dona Eliza compartilhou conosco um pouco de sua vida, seus orgulhos, dores e arrependimentos. Acreditamos que não exista momento melhor para divulgar na íntegra nossa conversa com um dos expoentes do samba brasileiro.

O samba atualmente, é reconhecido como patrimônio imaterial cultural da cidade de Belo Horizonte. O que você acha desse marco em relação à sua carreira como sambista?

Graças a Deus. Veja… eu não comecei diretamente no samba. Comecei com sertanejo, porque minha família vinha de uma raiz sertaneja. Estava em uma praça e Dona Jandira me viu e acenou para mim dizendo ‘Vem cá!’. Eu olhei para ela e ela falou para mim: ‘Vem cá, é você, vem cá’. Eu fui, dei a volta. Ela falou: “Sobe aqui”. Aí eu falei: “Por que a senhora tá me chamando”? E ela me disse ‘Você canta e canta muito, eu quero ver você cantando aqui’, então foi assim que Dona Jandira me apresentou ao público.

E depois disso não parou mais?

Não, eu não parei mais.

E como você continuou sua carreira? Quais foram os outros lugares que você se apresentou?

É, depois daí eu fui fazer baile, naquela época existiam os clubes de dança, né? Fui fazer baile no Clube Verdes, passei a cantar, fazendo os bailes para o pessoal dançar. Clube Elite, o extinto Clube dos Feirantes, que era Clube dos Mercadores Ambulantes e Feirantes de Belo Horizonte. O nome era esse e os diretores já falavam Clube dos Feirantes, porque não dava para falar o nome todo. E o Clube Elite e depois o Sindicato dos Bancários. E aí eu não parei mais.

Eu imagino que tiveram muitos problemas, certo? Por exemplo, esses clubes também eram bastante perseguidos pela polícia.

Perseguições mesmo. Muitas vezes a gente estava cantando e tínhamos que sair. Aí começamos a cantar na rua, no morro, pé do morro, ali na pedra na padroeira Lopes (Pedreira Prado Lopes). Reunia todo mundo ali, tocando, cantando, batendo até em lata. Para variar, eu não tinha nem esses instrumentos que tem hoje. Nós batíamos na latinha, um sentado no caixote.

A gente ia lá cantando, fazendo uma festinha, tomando uma cervejinha ali e a polícia chegava e nós cascava forte. Um dia chegou um sargento. Não lembro se era um sargento, Pedro. Que era muito muito severo, muito conhecido como o ‘Sargento Durão da Praça’. Aí eu virei pras meninas e falei: ‘Fiquem quietas, ninguém sai’. Que se sair, aí sim é que a gente vai mostrar que ele é o durão da praça. Aí ele chegou, mais dois policiais estavam com ele. Olhando para a gente assim meio por baixo dos olhos e tal, aí apontou para mim: ‘Você’. Eu falei: ‘Pois não, pode falar’.

‘Tá fazendo o quê?’ Eu falei: ‘Cantando’.

‘É metida a cantora, que está cantando o que?’

Aí falei, “uai, desde que eu não esteja cantando sua mãe, seu pai e você, eu acho que eu estou cantando uma música.’ Aí ele olha assim para mim e falou: ‘Me respeita!’ Eu falei ‘que respeito, rapaz? Tu chega provocando e quer respeito? Eu falei que sou filha de pai e mãe atrevidos. Ele olhou assim para mim:

‘Você não vai baixar a guarda não?’

Eu falei: ‘Para quê? Estou roubando? Estou matando? Tô estuprando? Tô fazendo o que não deve? Se tiver, pode me levar. Se não, dá licença.’

Aí me chamou de metida a durona e eu disse ‘Não, não sou metida a durona não. Eu sou gente como você e como qualquer outro ou outra. Só que eu não tenho que ter medo de vocês, tenho que ter respeito, e para eu respeitar vocês, vocês tem que me respeitar também.

Aí o sargento virou e falou ‘essa eu gostei’. Perguntou até que ano eu estudei. Por que o senhor quer saber? Quero saber seu mestrado. Meu mestrado é bom, sou filho de professora, e aí?

Minha mãe foi a primeira professora da cidade onde eu nasci, eu tenho cinco irmãos professores, só eu que saí para a música. Tá bom? Gostou, tá satisfeito?

Não não, calma, não é assim também não, boa noite para vocês.

A violência policial não mudou nada. Até hoje continua a mesma coisa.

O pior não é isso. Eles procuram quem está quieto e quem está aprontando eles não querem saber. A não ser que o povo, a televisão, os jornais gritem, que aí eles vão atrás. Mas vem atrás de quem tá em busca do pão de cada dia, quem tá fazendo alguma coisa de bom, ajudando alguém, ou quem tá vendendo algo.

Eu já vi esses camaradas parar tanta gente… tanto pobre necessitado com suas caixinhas de bala vendendo na rua para sustentar a família porque tá desempregado e não tem estudo eficiente para poder arrumar um trabalho mais decente. Eles vão lá, derrubam tudo, bate no cara.

Uma vez na Praça Sete dois policiais chegaram batendo em um rapaz lá. Eu perguntei ‘Oh, seu policial, ele tá roubando? Eu não tô vendo ele roubando, nem matando, nem fazendo nada com ninguém, só vendendo as balinhas aí para sustentar a mulher, os cinco filhos. Se fosse um parente seu, você ia fazer isso?’

Ele virou e acordou. Sendo sincera, falei assim mesmo com ele, ‘se fosse um sobrinho seu, um neto seu, vendendo balinha para comprar um sal e um feijão para sustentar a família’. A maioria desse povo não tem nem o que comer direito em casa por falta de estudo eficiente, por falta de um emprego decente, será que se fosse um parente seu você faria isso?’

Põe uma coisa na sua cabeça… aqui se faz, aqui se paga. Hoje você tá fazendo isso com esse moço que tá vendendo a balinha para sustentar a mulher com cinco filhos… amanhã pode ser um parente seu aqui na praça.’

Aí eu falei para o moço, junta suas balinhas pois não precisa correr deles não. Você não tá roubando, você não tá matando, você não tá estuprando ninguém, não tá ofendendo ninguém. Você tá ganhando seu sustento, eles tem que te respeitar.

Em questão do seu trabalho, como sambista mesmo, você sentia que existia machismo e desrespeito?

Tinha sim. Eu entrei naquela época com Telvina, Lúcia Santos, Olvino, Lucinha Bosco e Maíra. Maíra foi embora, não tá mais aqui. Lucinha ainda tá aí. Telvina também não tá mais, já foi embora. Lúcia também já desceu a serra, foi para baixo. Foi para o fundo da terra. Eu costumo falar que foi para o outro lado, que desceu. Prefiro falar assim do que falar que morreu, é uma palavra tão forte e desnecessária, né?

Dessa época sobrou eu, Lucinha que ainda tá aí, graças a Deus. Esteve doente outro dia, até internada, mas já está bem, está em casa.

Eu também fiquei internada. Mas Deus falou não, fica aí mais um pouco.

Tiveram uma série de eventos e movimentação para ajudar a senhora, não?

Teve. Foi para um tratamento físico que continua ainda, estou tomando os medicamentos que não são nada baratos. Mas eu estou bem, graças a Deus.

Mas é bom a gente encarar a vida assim… Eu pensei que a gente tem tanto… tem pessoas que são tão mesquinhas. Que é atropelando um, passando por cima da cabeça de outro para poder conseguir o que quer. eu falei não há necessidade disso, cada coisa no seu tempo, é um dia após o outro. O dia da gente chega. Fulano ganhou na loteria e ficou aí. Po, se eu tiver a boa sorte e Deus me abençoar, eu também um dia vou ganhar, não preciso ficar querendo para mim. Vamos trabalhar, meu povo. Vamos se desvencilhar disso aí. Se o outro ganhou, saúde para ele, mas vamos fazer o nosso.

Tem gente que vai lá e “ah, fulano é invejoso”, mas nem todos. Presta atenção. Existe uma parte que sim, mas também existe uma parte que não. Nem todos. Não por causa de um que se condena todos, pois nem todo mundo é igual. A vida é assim.

Agora porque você tá bonito, rico e chique, eu também vou querer ficar bonita, rica e chique e vou sair por aí me convencendo? Não. Uns tem sorte, outros não. Uns ganham mais, outros menos. Aquele que Deus deu o dom para ganhar menos, ganha menos. Mas se é a sua renda. Agora, um dia chega lá.

E a senhora fez o seu com humildade, honestidade…

É assim que eu fui criada. Minha mãe nos ensinou, ela teve 21 filhos.

Ensinou todos nós assim. Né? Ninguém lá em casa nunca foi de sair por aí aprontando e fazendo besteira. Porque ela falava: “Olha, somos negros, somos pobres, não de espírito, é de dinheiro. Mas para comer, beber e dormir com a consciência tranquila, temos que ter consciência do que fazemos. O seu juiz é seu mestre.”

Eu nunca esqueci dessa palavra. Ela falava isso com a gente. Seu juiz é o seu mestre. Olha, o chão que você pisa, pisa com certeza de que o lugar que o chão onde você tá pisando vai te salvar um dia. Ou pode te matar também. Carrega nos seus olhos e tenta carregar. Nunca queira aquilo que está acima do seu alcance.

Se a sua chave é de prata, a do outro é de ouro, segura a sua, que é de ferro e a sua de prata chega. Para depois você se merecer, minha filha, você pegar a chave de ouro. Mas a vida é essa, o ensinamento básico da vida é esse, somos pretos, somos pobres, somos de família simples, mas temos que ter honestidade em tudo. Ela criou 21 filhos explicando isso aí. E eu sou a caçula da família.

Nunca me esqueci das palavras dela.

A senhora construiu uma carreira exemplar, é uma grande referência do samba daqui. Porém, por mais que você tenha escrito mais de 700 músicas, a senhora gravou apenas um CD…

Pois é, e mesmo assim sendo roubada. Porque roubaram mais da metade do dinheiro. Fizemos só um CDzinho simples. Pegaram mais da metade do dinheiro e o que que eu posso fazer? Não fui eu, né? Então o que eu pude gravar, eu gravei. Fazendo uma gravação mal feita, faltando músicas, faltando instrumentos. Eu achava até que nem ia sair porque porque eu gritei com a pessoa, que na época tava por trás do CD, falei: ‘Se você não me levar para fazer essa gravação, eu vou te denunciar’. Porque o dinheiro que você pegou não é meu, não é seu, não é de ninguém, é do estado. É do estado, presta atenção. Qual é o seu estado? Minas Gerais, né? E qual é a sua cidade? Belo Horizonte. Você não tá lá na roça não, minha filha, você tá na capital, pelo amor de Deus. Presta atenção. Não pensa que eles vão passar a mão na sua cabeça, não vai ser fácil. Esse CD foi feito pela Lei de Incentivo à Cultura. Eles roubaram mais da metade do dinheiro, a pessoa que me inscreveu (no processo). Eu falei, se vierem atrás de mim, eu vou indicar vocês. Eu nunca estive no caixa.

Esse CD foi lançado em 2017, a senhora tentou fazer CDs antes?

Tentei fazer antes, não consegui. Tentei fazer depois e até agora também não consegui não.

Dona Eliza, vamos voltar para o assunto do machismo? A senhora estava comentando como era antigamente…

Era muito difícil. Pra aceitar a gente nos palcos cantando foi muito difícil. Naquela época da Lúcia Santos, eu e a Telvina, um monte de gente. Lucinha Bosco teve mais facilidade, porque o marido dela era músico. Então, levava ela. A gente teve que batalhar para conseguir vaga, para conseguir lugar, porque era muito restrito. Aí, eu comecei cantando no clube da União Operária, extinto Clube União Operária, né? Depois eu passei pro sindicato dos bancários. Depois eu fui para os bailes do Elite. Lá, as finalizações dos bailes foram comigo e com a Lúcia Santos.

A gente vinha enfrentando o machismo pelos homens que já enchiam as mulheres que cantavam na noite. Então, a gente chegava: “Nós vamos bater de frente. Vamos lá. Eles cantam? Podem? Nós também podemos”. Então a gente ia bater de frente. Vamos cedinho e tal. Chegamos num ponto em que se a gente quer isso, a gente vai ter que se unir. Simples, eles cantam, a gente canta. Eles tocam, a gente canta. Perguntei: “Vocês não acham que é melhor se unir?” E eles diziam “Porque nós somos machos, vocês são mulheres”. Para com isso. “É, vocês não aceitam a gente na música. Aí vocês perdoam na cama?” Aí eles olharam para o outro e falaram: “Ah, é isso aí”. Pois não. Para com isso. Falei: “Aí se eu falar que quero ir para a cama com você, você vai recusar? Tá na cara que não, né? Hã. Bonito, vem com essa. Quer dizer que para cama eu sou boa, mas para cantar não sou, não? Bonitinho.”

Mas eles cantaram com vocês depois disso?

Sim, no final deu tudo certo. Conheci eles, já. Zé Alves, Antônio Vinícius, Juscelino Abreu… Vários outros, que hoje a maioria deles nem tá aqui mais, já foi embora, já desceram a Serra.

Tem gravação nesses momentos? Com a Lúcia Santos e os outros músicos?

Não, infelizmente. Era muito raro gravar e eu não podia pagar. A gente até brincava, a gente falava que trabalha muito e ganha pouco, mas se diverte. Trabalha muito, trabalha pouco. Não. Mas era assim que era, né?

Mas não, hoje graças a Deus melhorou muito, muito, muito.

No seu trabalho como compositora, você sentia também uma dificuldade de ser respeitada?

Na época tinha. Inclusive, na época que eu gravei CD, eu até chorei muito de raiva também porque esse pessoal pegou dinheiro lá era para fazer, era para para mim fazer um longplay. Era nem CD, era um longplay. Fizeram só um CD e ficaram com mais da metade do dinheiro. Não sei o que eles fizeram com esse dinheiro.

Eles tentaram, jogaram nas minhas costas, sabe?

A senhora chegou a ter experiência com samba de terreiro? Como foram suas experiências com essas variações do samba?

Eu conheci Dona Jandira, Dona Jandira me levou para as rodas de samba, para os julgados aí, que ela frequentava e tal, comecei a apresentar junto com ela. Samba de terreiro tem mais o som lá da caixa e a palma da mão, né? Mais gostoso, mais aberto.

A senhora se considera uma referência para o samba?

Não, eu me considero uma pessoa igual como todo mundo, mas se eu sou referência, eu agradeço. Obrigado, Pai, por me fazer merecer ser uma referência. Isso não me engrande, não me convence, sempre continuo a mesma pessoa que sou. Sempre com humildade, sempre na minha fé e sempre aberta ao público.

Porque é o ensinamento da vida, o ensinamento do dia a dia, passo a passo da vida. E sim, a gente, daqui a pouco a gente pode chegar.

Enquanto fazíamos nossa pesquisa para essa entrevista, encontramos muitos nomes de mulheres que trabalharam com samba, mas que eram desconhecidas para nós. A senhora acha que as pessoas, os jornais ou mesmo a academia faz jus ao que vocês representaram para o samba?

Tem pessoas que tem muitas, né? Mas algumas não resistiram. É, arrumar foram maridos que não deixaram seguir adiante. Outras faleceram, né? Adoeceram. A Luz Maria, por exemplo, baita sambista, cantora, tinha, nossa, tinha uma voz lindíssima! A mãe do Neném Batera, uma grande amiga, uma das melhores amigas que eu tive. E ela, coitada, não existiu, porque ela doeu seu que cantava nas noites, era naquela época era muito pesado. Era pesadíssimo.

Mas também foi a época de ouro do samba em BH. Minas Gerais foi o último estado e Belo Horizonte foi a última cidade que aceitou o samba, a mulher da noite.

E a gente que estava no meio da rua. Quantas vezes nós fizemos serenata ali na Serra, cantando samba, cantando sertanejo, samba de enredo, samba de guarda, samba de rua. Conheci muita gente. Ah, bacana demais, gente. Muito bom.

Assim, era uma época difícil, mas era uma época que a gente tinha aquele negócio, a gente tem determinação, a gente sofre para conseguir, mas a gente se diverte. O nosso importante é isso. O nosso investimento era esse, era bater de frente. Mas se vocês recuarem, Ninguém nunca vai aceitar. Mas se a gente bater de frente, as portas vão saber. Até porque a cidade é sua também. A cidade de todo mundo que tá vivendo nela. Né? E a gente conseguiu.

A senhora sente muitas diferenças de se fazer música hoje em dia para fazer música antigamente?

Muita diferença, muitas diferenças mesmo. Porque antigamente se fazia música. Hoje em dia se inventa a música.

Samba, por exemplo, nós já tivemos do álbum vários de bons e ótimos compositores de samba. Hoje você não encontra mais ninguém que escreve uma música que joga lá que o público abraça aí já de cara. É raro você ouvir isso. Sertanejo é a mesma coisa. Caiu muito. A música romântica acabou. O Romantismo acabou.

Acho que podemos conversar sobre isso, mas antigamente o modo de fazer música era muito mais presencial, todos juntos no mesmo lugar.

Exato! Hoje é cada um na sua… Eu tenho uma música que eu escrevi, que é “A menina Matreira”. Essa música minha eu gravei, foi tocada da rádio conversa rádio Inconfidência durante muito tempo no programa de Tina Gonçalves.

“Lembro com muita saudade das coisas que não tem aqui.

Menina matreira que sou, lá do sertão de onde vim.

Do rancho no meio da mata, ao lado passa o ribeirão.

O vento que sopra vadio e as folhas secas no chão.

Oh, que saudades tenho de lá.

Oh, que saudades tenho do meu lugar.

Da chuva caindo tão mansa na terra fofa do chão.

o cheiro da terra molhada, as árvores no chapadão,

no verde fresco das matas, são coisas que aqui não tem

e do luar cor de prata, que saudade sinto também.

Oh, que saudades tenho de lá.

Oh, que saudade que tenho do meu lugar

Do galo anunciando o dia, volta o sol ao despertar,

nas matas canta o seresteiro, majestoso sabiá.

Ao longe ouvia ruídos dos carros de bois no estradão,

vaqueiros tangendo boiadas, são coisas lá do meu sertão.”

Essa eu fiz ela dormindo. Levantei com ela na cabeça, sentei, escrevi e soltei.

É um modo de fazer música que a gente não vê mais. É, tanto acho que não só no sertanejo e no samba, acho que é porque no sertanejo e no samba isso é é algo comum a essas duas vítimos, né?

Essas coisas assim, são coisas assim que vêm assim, vem sendo trazido, traga pelo tempo, Então, a gente aceita porque eu falo bom, tu se vê, chegou a para mim foi foi mandado pela mão de Deus, vamos tentar. Né? E por aí a gente vai. ‘

Dona Eliza, para a senhora, o que matou o Romantismo?

Ah, muita coisa… A falta de interação, a falta de interesse, de consciência, de empatia. Hoje em dia tudo tem muita mais, é muito raro. E isso acaba com o romance, acaba com tudo, com as coisas boas da vida que a gente tem e que vem lá do passado.

Eu lembro que minha mãe falava isso: “Essa fase nossa de romantismo vai acabar. Quando chegar na época, você vai lembrar que eu falei.

Ela: “Vai passar isso aí, tudo vai passar, isso tudo é passagem, aí vai chegar uma época que ninguém nem vai lembrar que já existiu um romance um dia nessa vida”. Porque tinha livros, tinha cadernetas, revistas. Hoje em dia assim ninguém tá lá mais, né? Que vinha falando de romance, essa coisa do povo romântico daquela época foi sumindo, foi acabando.

Hoje é mais tudo mais por interesse. Uns por interesse financeiro. Outros por interesse de subir, subir na vida.

Você pode ver que a maioria dos compositores hoje não têm bons compositores, hoje não tá tendo. Hoje tá tendo tanta coisa por aí que tem músicas aí que eu cruzo os braços e falo: “Espera aí, cadê a música”.

E o povo abraça e o povo aceita. Sei que o povo tá com tanta sede de vontade de dançar, que a gente tá cantando barzinho para tá dançando.

E a senhora acha que o romance vai voltar?

Vai e não vai demorar não.

Eu que tenho conversado com os músicos que tocam comigo, João Rogério Pagé e Alexandre Cruz. A gente tava conversando, a gente falou comigo de abrir um clube para a gente.

É uma coisa que faz falta. Faz falta. Eu não vou dar pro povo se expandir. Mostrar sua alegria, né? Por que só no carnaval? Por que que no carnaval pode e nos outros dias, nos outros meses do ano não pode? A gente tava cantando no bar Juramento lá no Pompéia e o povo tava dançando no meio da rua.

Tinha que botar esses clubes de dança aí. É um lugar para se distrair, diversificar, sair do estresse sair da das comanda do dia a dia, tá faltando isso. Tomara que nós possamos dar esse espaço pra gente. Se eu tiver força pra cantar, eu vou tá lá fazendo baile para vocês.

A senhora sente falta (dos bailes)?

Sinto. Sinto. Sinto, sim. Sinto falta porque o público hoje não tem o divertimento que eu tive e outros lá da minha época tiveram. Entendeu? E faz falta. Faz muita falta. E a gente brincava, falava: “Vê, já trabalha muito, ganha pouco, mas se diverte”. Bom demais, vamos lá. Né?

E a gente abria o baile sempre com uma música diferente a cada semana. Tinha que voltar. E tomara que eu esteja viva e forte ainda para quando voltar.

Porque não só eu, não só por mim, mas também por outras pessoas que tem vontade de curtir, de dançar, de cantar também junto. Eu lá no Juramento, por exemplo, eu boto todo mundo, eu coloco todo mundo para cantar junto comigo.

A senhora ainda canta bastante?

Graças a Deus.

E compõe também?

Componho, tenho várias músicas.

Chegou a vender alguma?

Não, eu tô trabalhando aí junto com os meninos com Bofa, Rogério Pagni e Alexandre. Estamos escolhendo umas músicas que eu quero fazer um outro CD. A gente tá ensaiando umas músicas aí, escolhendo outras. A gente vê se a gente consegue chegar lá. Eu acho que vai.

A senhora trabalhou como doméstica. Como era conciliar isso com o samba?

Eu fazia de tudo, lavava para passava, arrumava, cozinhava, cozinhava, fazia tudo. E dava de criança. É uma coisa de cada vez. Era a última a deitar e a primeira a levantar.

Mas tinha que dar conta, a responsabilidade era essa. Mas, Graças a Deus… deu certo.

Eu trabalhei numa casa que eu fui chamada de catadeira de lixo. Presta atenção. Catadeira de lixo, lambedeira de privada e bebedeira de lavagem. Eu só olhei para a pessoa e falei assim: “Que bom que você tirou de você para colocar em mim”. Muito obrigada. Saúde e paz para a senhora. Até um dia. E foi embora. As minhas coisas é casa dela. Ela foi atrás de mim, eu falei: “Mas, se eu sou o que você falou, por que que você quer comigo na sua casa?” Não sirvo para você.

Que pena que eu que para você eu sou tudo isso. Mas um dia você vai descobrir que o que você falou comigo não tá em mim, mas em você mesma.

São palavras pesadas que descarta a alma da gente a fundo, né? Vai no fundo da alma aqui. A gente é humano, a gente tem sentimentos. Não é a questão de ter vergonha. Mas é a questão do sentimento. Então eu não fiquei com vergonha não, porque eu não sou nada disso, mas eu fiquei com sentimento.

Antigamente o empregado doméstico. Era humilhado demais. Era muito humilhação. Tudo era na base do xingamento, tudo era na base do desprezo.

Mas eu não aceitava desaforo. Eu sou pele preta, mas não sou lixo. Sou ser humano tanto quanto você. Você escuta? Eu escuto também. Você enxerga? Eu também enxergo. Você é inteligente? Eu também sou.

Eu venho de uma época que assim, algumas madames achavam no direito de bater mesmo. Chegar e estapear e ficar por isso. Eu falei: “Não, na minha cara, nessa carinha bonitinha aqui. Pode me xingar do que quiser. De preta, de feia, de tudo que é novo. Mas não levanta a mão para mim não. Eu não admito.

E como é o contato com sua família, na sua casa, eles te visitam aqui?

Sim! Eu tenho minha casa, eles visitam sempre. Eu vim para cá porque eu tava muito sozinha lá e eu passei mal. Quase morri, né? Aí, pessoal lá trabalha, todo mundo sai e fala: “Fica sozinha em casa”. Daí eu fui parar na nossa Santa Casa, fiquei 15 dias internada. Aí eu falei com os meninos, falei: “Me leva lá pro lar dos idosos”. Porque lá eu vou ter pessoas, eu tenho companhia.

Isabela vem aqui, a Cheila vem, vem o Júnior, todos vêm.

Alguém da sua família, seus filhos, ou seus netos se interessaram por trabalhar com música também?

Não.

E o que a senhora acha disso?

Eu acho nada, eu deixo porque cada um são cada um, como dizia minha mãe lá em casa.

A pessoa tem que sentir vontade, né? É aquela coisa. Então, deixa cada um procurar o seu rumo. Cada um seu rumo e Deus cuida de todos.

E Dona Eliza, como foi sair de Água Formosa para vir para cá?

Não, minha mãe, tadinha, ela na época, ela sofreu muito, ela não queria que eu saísse, né? Mas ela era um lugar tão faltoso, não tinha nada. Sabe uma cidade pobre? Não tinha nada para fazer, você fazia as coisas em casa e ficava atoa.

Eu falei: “Mãe, não dá”. Vocês não têm o tem o funcionamento? Não tem um lugar para você trabalhar? Não tem. Eu queria um lugar onde eu pudesse me expandir. Cansada de ficar sentada no toco, parecendo um preto velho, olhando para o tempo, benzendo quem não merece.

Aí eu fui primeiro para o Rio de Janeiro. Fiquei por cinco anos na casa da minha prima. Depois voltei, tornei voltar, tornei vir embora, eu falei: “Agora vou de vez”. E fiquei. Porque a gente escolhe um lugar e outro e outro, né?

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Ah, a gente quando sai da da cidade da gente, minha mãe falava isso: “Minha filha, a gente quando sai da cidade da gente, ele tem que aprender com os da casa, tá? Siga seus passos. Viva um passo de cada vez. Olha onde você pisa. Cuidado para não entrar em nada errado, porque a vida oferece muita coisa. Mas se você for do tipo que sabe ter a raiz no chão, você vence. Demora, mas a sua vitória chega. Mas se você for do tipo que vai querer abarcar o mundo com as pernas e os braços juntos, você pode até subir depressa, mas cai mais depressa aí. Cai mais rápido ainda, então vai devagar. Eu sou assim.

Eu não sei se eu tô seguindo o caminho certo, mas eu vou devagar. Com essa estrada eu vou tranquila. Se eu não conheço, eu coloco primeiro para depois saber se eu posso ir lá ou não.

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Conversamos com Dona Eliza no final de agosto de 2025.

O único CD que ela conseguiu gravar em tantas décadas de carreira, através da Lei de Incentivo à Cultura, não está disponível em nenhuma plataforma de streaming e nem está à venda nas principais locadoras de áudio. A única forma de acesso ao material que encontramos foi o álbum na íntegra em seu canal no youtube, que pode ser acessado aqui.

Com todas as dificuldades de lidar com as leis de incentivo, pouquíssimas obras dentre as mais de 700 canções que ela afirma ter produzido, possuem algum registro, ou gravação profissional. Apesar disso, a Madrinha do Samba Mineiro segue cantando em todas as rodas de samba para as quais é convidada. No carnaval de 2026, ela performou no Bloco da Januário, no dia 08 de fevereiro, idealizado pela cantora, compositora e educadora musical Fran Januário, para enaltecer a ancestralidade afro-brasileira e a cultura periférica.

Mesmo sem gravações profissionais, nem o devido reconhecimento pelo seu trabalho, Dona Eliza coleciona contribuições históricas para o samba mineiro e segue fazendo música e sendo ela própria, música também.

Editoria e Revisão: Daniel Santos

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Por Carolina Cerqueira e Davi Reis

Natural de São Paulo (SP) e formado em comunicação social pela UFMG, Affonso Uchoa é cineasta, conhecido por assinar a direção dos longas-metragem “A Vizinhança do Tigre” (2014) e “Arábia” (2017). Seus filmes circularam em grandes festivais como o International Film Festival Rotterdam (IFFR), Festival Internacional de Cinema de Cartagena e Festival de Cinema de Gante. Em 2022, Affonso foi chamado para participar da votação de melhores filmes da história na revista britânica “Sight and Sound”.

Nossos repórteres Carolina Cerqueira e Davi Reis conversaram com o realizador em que falaram sobre sua trajetória como cineasta, a cinefilia nos tempos de faculdade e o acesso à cultural em Belo Horizonte.

Uma Outra Universidade, Um Outro Brasil:

Davi: Você faz filmes desde a faculdade?

Affonso: Sim e não. De certo modo, o começo da minha trajetória no cinema coincide com o finzinho da minha passagem pela universidade. Eu estava terminando o curso de Comunicação Social na UFMG quando comecei a me involucrar pelo cinema. Mas o começo da minha carreira não tem a ver com a faculdade, até porque lá não tem curso de cinema, a faculdade que eu fazia era de jornalismo.

Acho que não existia curso de cinema em Minas Gerais naquela época, então o cinema era um negócio que tinha que acontecer fora da universidade, né? A faculdade até dava algum apoio, havia câmeras e tal. Mas não era uma atividade da própria instituição. Passava por ela, mas não era algo promovido, uma missão ou mesmo uma atividade constante dentro desse espaço.

Naquela época eu não tinha a menor ideia, nem o menor vislumbre de fazer cinema. Em primeiro lugar, porque (entre 2003 e 2004) era uma outra realidade de cinema, sabe? Tanto em termos econômicos, quanto em termos tecnológicos, o digital estava engatinhando. O cinema era uma atividade muito restrita. E eu sou um camarada que veio da periferia, né? De Contagem, do bairro Nacional. Eu sou um dos poucos estudantes de escola pública que passou na UFMG

Naquele momento, antes do ProUni, assim, era um outro Brasil, só entravam 100 alunos por ano no curso de comunicação na UFMG. Eu entrei nessa turma que se dividia entre os 50 primeiros, que entravam no primeiro semestre, e os 50 últimos entravam no segundo semestre. E dos 100 estudantes que ingressaram no curso de comunicação naquele ano na UFMG, só dois eram de escola pública.

E desses dois alunos de escola pública, só tinha uma pessoa preta, até se incluirmos os 98 alunos da particular. Esse era o Brasil, aquele que tá na música dos Racionais, no discurso do Primo Preto que abre o “Capítulo 4, Versículo 3”. A universidade era um sinal de status e poder.

Não era acessível aos filhos do operariado, às pessoas pobres. E quase integralmente era bloqueada para alunos de escola pública, era um ou outro curso que abrangia esses alunos. Mas os cursos mais disputados – como comunicação, medicina, arquitetura, e economia – não tinham quase ninguém de escola pública. Era um Brasil absolutamente diferente. A universidade pública era pequena, restrita e praticamente exclusiva a uma elite branca, saca?

Lembro quando terminei o segundo grau, em 2001, estava conversando com a molecada do Nacional, meus amigos, o pessoal que tinha estudado comigo. Cara, a galera usava comumente o termo “formar” para você terminar o segundo grau, o atual ensino médio, ninguém tinha perspectiva de ir para a universidade. Não parecia algo possível.

No meu bairro inteiro, de todo mundo que eu conhecia, da minha geração, só duas pessoas foram para universidade. Eu e o Desali – artista plástico, meu vizinho no bairro Nacional e amigo desde muito tempo – que passou na Guignard para fazer Artes Plásticas na UEMG. Só isso. Ninguém ali fazia curso superior.

Então, nesse contexto, e nesse Brasil, se entrar na universidade era uma luta, imagina fazer arte, imagina fazer cinema. Era um momento em que não haviam câmeras digitais, todo filme era feito em película e que a produção de um filme custava dois apartamento. Era impossível, não passava pela minha cabeça. Entrei na faculdade na onda de “Cara, vou ser a primeira pessoa da minha família a entrar em um curso superior, já tá bom demais, sacou?”

Só que enquanto eu estava lá na universidade, nesse período de 2004 até 2009, muita coisa mudou. O Brasil mudou muito. E aí é evidente, não tem que ficar tergiversando nas palavras, né? O Brasil mudou por causa do governo Lula, sobretudo o primeiro governo (mas o segundo também, né?).

A gestão de Lula transformou esse país como um todo, evidentemente transformou a educação e a cultura brasileira. Um momento também de mudança econômica muito forte, que permitiu um investimento maior em cultura, abriram muito mais portas, né?

A cultura começou a aparecer onde ela não aparecia, onde ela não florescia antes e rolou a mudança de tecnologia do cinema, que antes você fazia só em película, 35mm, 16mm e Super 16, que era a opção barata. No cinema, começaram a aparecer as câmeras digitais, né? E as câmeras digitais ficaram muito boas e baratas rapidamente. Isso transformou tudo. Então, quando eu tô já no final do curso, o cenário era outro.

Quando eu entro, o Brasil era excludente a ponto que eu não ter colega de escola pública na minha sala, e de repente, quando estou para sair da faculdade, não só já tá rolando Prouni, não só a universidade tá mudando, se ampliando, se dando se democratizando, recebendo pessoas de diferentes origens sociais e se transformando realmente num lugar muito mais democrático e representativo do Brasil, como também o cenário cultural estava totalmente diferente.

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Affonso e o Cinema

Affonso: Começam a ter editais, começam a fazerem investimentos, surge a Ancine, sabe? Essas coisas começam a aparecer e de repente, fazer cinema, que parecia aquela coisa impossível, agora já era possível com umas camerazinhas lá. A partir dessas mudanças, começo a me interessar pelo cinema. E aí como o cinema começa a aparecer mais possível, começo a ter mais acesso a câmera, começo a poder pedir para a universidade para amigos e começo a pensar:-Porra interessante esse negócio, é uma coisa interessante.

Davi: Você está falando da feitura, mas antes de ver que era possível essa feitura, havia um interesse por filmes? Você era cinéfilo?

Affonso: Sim, sim. Agora também é aquela coisa, né? São outras mudanças que foram acontecendo, né? Eu me interessava por filmes, mas eu não tinha muito conhecimento de cinema. Porque era , e ainda é, caro ir ao cinema, né? E pô, era uma época sem internet.

Davi: Mas havia cineclubes na UFMG naquela época?

Affonso: Ah, muito pouco. Tinha um da Belas Artes, mas era meio oficial, assim, não era uma iniciativa de aluno, sabe? Era tão difícil ter acesso aos filmes que assim, a UFMG eu sei que tem um histórico de clubes tradicionais e super importantes dos anos 70, anos 80, assim, que são cruciais para a história do cineclubismo em Belo Horizonte, saca? Cineclube da Faculdade de Economia (FACE), os cineclubes da própria UFMG, que eram organizados pelos DAs, marcaram a história.

Na minha época já era um outro momento. E nesse outro momento não tinha muita iniciativa dos alunos assim de criar cine-clube próprio, tal, não era algo muito regular, o que tinha eram alguns cine-clube organizado pelas próprias unidades, assim.

Para você ver filme naquela época era ver o que estava passando no cinema, o que tinha a locadora, a VHS, acabou. Tinha, se eu te achar. Plataforma de streaming, não tinha internet, não tinha torrent, sequer tinha pirataria, sacou? Pra você ter ideia, na época era um momento que começava a emergência do DVD, sacou? Era outro rolê.

O momento em que começo a sacar e gostar de cinema, é vendo filmes em festival. E naquele momento tinha grandes festivais em Belo Horizonte, tinha um momento em que os festivais eram lotados, bem mais do que hoje.

O Indie foi um festival um formador para minha geração, saca? É, onde você podia ver os filmes fodas contemporâneos internacionais do momento – que você não não ia ver, porque nem ia lançar no circuito (comercial) – de graça. Lá no Indie, você via Larry Clark e David Lynch sem pagar um centavo.

E era um evento que mudava a cidade, eram filas enormes, sabe? Eu matava a aula, ficava lá vendo cinco filmes por dia, chegava 11 da manhã e saia 11 da noite, tinha que enfrentar fila e não comia porra nenhuma porque não tinha dinheiro pra comprar lanche, foda-se, era ver só pra ver filme, sacou?

Também tinha um festival de cinema latino-americano de Belo Horizonte, que teve poucas edições, mas foi um festival do caralho que acontecia em um cinema que infelizmente fechou, que era o Cine Nazaré, no centro da cidade, pertinho do Humberto Mauro, onde hoje é uma academia, debaixo de um prédio ali do lado do Epa. Cara, conheci todo o cinema latino-americano ali, era filme do Peru, filme argentino, filme do Uruguai.

Nunca tinha visto o Uruguai ou qualquer imagem do Uruguai. Sei lá, o jogo do Peñarol, era o máximo que você ia ver do Uruguai. Festival excelente, gratuito e lotado. O Fórum Doc, que já começa também a aparecer nessa época, né, o maior festival de Belo Horizonte. Era nos festivais que eu conseguia romper essa dificuldade de ver filmes. Não dava pra ver filme.

Carolina: O acesso à informação de que esses festivais iam acontecer imagino que era bem menor do que hoje, que é só abrir o Instagram e dizer lá: “Ah, o forumdoc vai acontecer”. Você fala que haviam muitas pessoas, muitas filas, mas sinto que isso acontece hoje em dia.

Pelo menos eu sinto que esse ano, por exemplo, forumdoc estava muito mais lotado que em 2022. Tem a questão da pandemia também, mas você sente que hoje em dia, as pessoas estão menos interessadas em frequentar esses cinemas, pela possibilidade de acesso mesmo?

Affonso: Com certeza. O motivo do público ser menor? Eu acho que são vários. É difícil citar só um, né? Eu acho que tem, em primeiro lugar, uma redução do interesse geral pela atividade de ver cinema. Em Belo Horizonte tem basicamente um cinema de rua, né? Um cinema de rua mesmo assim aberto para rua, de porta aberta para rua, você tem assim é o Una Belas Artes, né? Cinema de programação que é fora de shopping, você tem a sala do Minas Tênis Clube, né? Que tem uma programação excelente, mas ela é dentro do centro cultural do Minas (Tênis Clube). Você tem que passar uma catraca central, sacou? Você tá indo pro cinema enquanto o pessoal tá indo pra piscina.

Temos o Cine Humberto Mauro, que é dentro de um espaço cultural, mas que a maioria das pessoas nem sabe que existe, porque é um negócio no subsolo, assim, no andar de baixo, né? No nível abaixo da rua, não tem nenhuma sinalização, você não vê nem escrito lá de fora que existe o cinema, né? Essa é a terceira maior capital do Brasil. E são esses os cinemas de BH. O resto é multiplex. Então para você ver filme, se você não é muito rato de cinema, você vai para o shopping.

E cara, tudo no shopping é caro. O ingresso é 60 conto, sacou? O lugar é um grande antro de consumo, você se sente pressionado a comprar coisas o tempo todo. Não é acessível, não é para todo mundo, sabe? Então é óbvio que isso afasta o interesse das pessoas pela experiência da sala de cinema. O próprio jeito como ato de ver um filme está configurado hoje afasta o interesse das pessoas.

Também há uma oferta de filmes fora da sala de cinema gigantesca, né? Você vê no streaming, vê na Netflix, você baixa o streaming, sei lá, se ainda tiver alguma pessoa da minha geração que ainda baixa filmes, esses ainda aprenderam a lidar com a pirataria. Então, assim, pô, não vou gastar 60 conto porque vai tá no streaming daqui a 2 semanas. Se você não tem grana, você vai falar: “Não vou fazer isso, não tenho dinheiro. Não posso”.

Além disso, também a vida mudou, né? A gente vive no mundo hoje muito mais personalista. A atividade de ver um filme é presencial, é uma experiência que a gente compartilha com alguém. E esse alguém geralmente é um desconhecido. A estamos ali dividindo um espaço com pessoas desconhecidas durante um certo tempo da nossa vida para juntos desfrutarmos de uma mesma experiência. Essa é a base do compartilhamento de experiência coletiva. Isso tá acabando. A gente tá vivendo um mundo cada vez mais individualista e no mundo em que as experiências elas têm que ser servidas individualmente. Então, por isso que é o mundo da tela do computador, é o mundo do celular, é o mundo do streaming.

Eu sinto que o interesse, a presença, o gosto, a comunhão por ver um filme em sala de cinema era muito maior. E isso gerava também uma presença de público nos festivais muito maior, assim. Vocês não tem ideia do que era o Indie. Era um negócio absurdo, cara. Negócio real, assim. Era fila que a gente viu, sei lá, viram no Cinebh com o lançamento do Agente Secreto, né? Aquilo acontecia com qualquer filme, com filas dobrando o quarteirão.

E às vezes era coisa maluca, como retrospectiva do Fellini, do Eric Rohmer, dobrando quarteirão da fila, sabe? Havia um interesse, uma raridade. No caso do Belo Horizonte, não podemos ignorar esse fator, né? Era muito raro ver um filme aqui antes. Então, quando alguém trazia uma retrospectiva do filme do Eric Rohmer, porra, todo mundo tinha interesse. Hoje tá no MUBI, né? Você não vai pegar uma fila de 200 lugares, se você pode ver no Mubi, sacou?

Carolina: Mas todo mundo quem? Aqui vai uma provocação. Porque é uma dúvida genuína, assim, de uma pessoa que, sei lá, está inserida nesse nicho e sabe o nome de ciclaninho e fulaninho, mas nessa época as pessoas Quem que eram essas pessoas? Que dobravam a fila para ver um filme em uma retrospectiva do Fellini, sabe? Eram pessoas “mundanas”, que não estavam na academia? Eram cinéfilos?

Davi: Eram pessoas não aficcionadas??

Affonso: Era uma mistureba, sabe? Assim, eu lembro de que era uma mistureba. Você tinha sim, né, toda uma reunião de cinéfilos, de pessoas interessadas. Cara, a gente tinha uma massa de pessoas interessadas em arte e em cultura que era maior do que hoje.

Não tem, sacou? No CCBB (Centro Cultural Banco do Brasil), que é um um puta circuito cultural, se botarem uma exibição do grupo de performance de Viena não vai vir ninguém. Se não botar um negócio interativo para criança, ou uma arte que caia do teto, sabe? Que ninguém vai vir. Ninguém vê arte, sabe? É uma minoria, é eu, você (Davi), ela (Carolina) e acabou.

O interesse pela arte, pela cultura, né? Per si, como atividade por si só, tá cada vez mais reduzido mesmo, sabe? Reflexo do mundo violento que a gente tá vivendo, viu? Um momento de ressurgimento do fascismo, sabe? É isso, esse é o mundo que a gente vive, não tem que dourar a pílula. É o mundo do assassínio do pensamento, da reflexão e da sensibilidade, assim. Então, a atividade artística, ela é cada vez mais escanteada e menos importante.

Então, quando eu começo a ver o filme, estamos falando do começo dos 2000, era diferente? Pô, era porque era 25 anos atrás, então só por isso já era diferente. Só por isso a degradação ainda não estava tão espalhada. “Ah, então foram anos maravilhosos, a gente tinha uma população gigantesca de cinéfilos e culturalizados em BH ? “. Pô, claro que não, isso aqui nunca foi Paris, somos o terceiro mundo, isso aqui nunca vai ser Paris, lá você vai botar 500 pessoas às dez horas da manha em uma exposição.

Em Cuba também, mas aí você precisa ou de um capitalismo muito avançado ou do socialismo, porque esse capitalismo de merda que a gente tem vai gerar o quê? Burrice, precariedade, precariedade, exclusão e desinteligência, certo? Antes não era idílico, não era perfeito, só era menos degradado. O mundo era outro, né?

Você tinha mais pessoas interessadas de maneira geral. E havia uma escassez de divertimento. Então no momento do festival, todo mundo tava fazendo fila assim: “Todo mundo tá nessa fila, vamos ver o que tá rolando” “Pô, David Lynch, maluco ganhou um prêmio lá, saiu na folha.” Todo mundo lia jornal, não tinha internet. Não tinha 45 perfis no Instagram que te contam o que tá rolando.

Às vezes achava o filme uma merda, saía no meio. Tudo bem. Maravilha, a pessoa foi ver, né? Mas isso rolava mais antes, né? Ainda rola, claro, né? Sempre vai ter os doidões, os desavisados, os curiosos e curiosas, né? Sempre existe, o ser humano ainda tem curiosidade, apesar de ser menor.

Acredito que antes tinham mais por conta de uma série de fatores: a escassez de oportunidades, uma informação muito mais concentrada, em que havia menos dispersão, menos distração, você tinha menos oferta de distrações e divertimentos, né? As coisas ganhavam um vulto de importância muito maior, e havia um interesse maior por arte e cultura maior do que hoje. A gente fazia com que, porra, todo mundo que era interessado em arte, cultura e cinema se reuniam nos festivais e o que o negócio ficava atraente até para quem não tava ligado, pessoas que sacavam que havua um burburinho.

Em geral, essa pessoa tinha pelo menos uma abertura para conhecer filmes, né? Hoje, as pessoas podem até se interessar pelo burburinho, mas aí tem que ser um negócio assim muito grande, né? Tem que ser um Wagner Moura, uma Fernanda Torres para poder interessar. Ficar sentado para ver uma hora de filme só por causa de burburinho é muito raro, né? As pessoas não vêem filme, né? Assim, ninguém quer ver filme, agora é ver filme na velocidade 2x, cara.

Davi: A relação das pessoas com a imagem mudou, né?

Affonso: Mudou, então qual é o burburinho que vai convencer alguém a ficar 2 horas sentado num lugar escuro com pessoas que ela não conhece para ver um trem que ela não pode acelerar? É raro, hoje está mais raro. Antes era mais possível. Antes o pessoal tinha é, lidava melhor com essa tecnologia. A minha cinefilia, assim como tudo naquele momento do Brasil antigamente, se exercia na medida do possível. Saca?

E ela vai se desenvolver na medida também que o mundo e o Brasil vão mudando. Então, eu que não conseguia ver filme, a não ser nos festivais, que não tinha nem grande assim, cara, você imagina que aquela locadora de sexo de contagem, né? O filme mais assim, mais culto que tinha lá era Um Sonho de Liberdade, né? Se eu falasse Godard para o cara da locadora, o cara ia achar que era palavrão, ou sei lá, um filme pornô.

Você tinha a locadora que era Vídeo Mania no Lourdes e ia pegar vídeo lá na Galeria do Otto. Assim, eu conheci duas locadoras, que tinham filmes alternativos. Mas porra, como é que eu saio de Contagem para alugar um filme no centro? Eu não conhecia, você não via filme. E não existia internet, não tinha como baixar, não tinha TV a cabo, né, que era onde passava essas coisas. Primeiro, o que dava para conhecer, né? Então, eu me interessava por cinema, adorava o cinema. Conhecia o cinema? Claro que não. Como é que eu ia conhecer o cinema?

Eu tinha que ter nascido francês, mas aí não deu certo, né? Nasci no Brasilzão, caí em Contagem, né? Então, a cinefilia era mais desejo do que realidade. Quando eu tô saindo da faculdade, aí já mudou tudo. Já começa internet, pirataria, torrent, já era muito mais fácil fazer uma cópia de CD, sacou?

Alguém tinha comprado um DVD do filme do Jim Cobain, ela copiada, sacou? Não tava bibliotecas enormes, né? De de filmes pirateados Então, tá. Aí, a coisa explode, né? Aí, explode porque o cinema ele passa a ser realmente percebido difundido de uma maneira muito ampla. Então, eu que não conhecia nada, cara.

Eu tinha visto nenhum filme do Godard a não ser no indie em 2001, quando chega ali por 2006, 2007, tava conhecendo todo o cinema filipino, sacou? Muda tudo. E aí explode. Explode a cinefilia, explode o conhecimento, explode o pensamento, explode a vontade e o desejo de cinema, né?

E no paralelo, explode também a possibilidade de fazer cultura. Começa a aparecer fundo, edital, aí começo a gostar de cinema, começo a achar que aquilo é possível, finalmente vislumbro a possibilidade de realizar o desejo de fazer cinema e falo: “Cara, vou tentar”. Estudei como funcionava, entendi o que significava esse negócio. Edital, que porra era essa? Entendi “ah, uma espécie de concurso, né?”

Então posso submeter uma ideia de filme, aí alguém vai avaliar e se ele achar bom, ele me dá jeito para realizar. Eu falei: “Porra, perco nada, né? Só impressão”. Tinha que fazer impressão naquela época, não tinha Você não podia mandar online, tinha que fazer o caderninho e entregar, né? Era outro mundo, galera. Realmente um outro universo. Falei: “Pô, mas beleza, só impressão eu consigo. Pagar eu não sei. Isso eu consigo”. Falei: “Então não perco nada, foda-se, vou fazer”.

Escrevi um roteiro de curta metragem em 2007. Estava há três anos na faculdade, e falei: “Cara, quer saber, vou mandar esse negócio”. Eu tinha uma ideia lá meio maluca, ainda muito viajada, né? A gente acha que é muito artista quando é jovem, Jesus…. Aí escrevi, entendi que eu tinha que mandar o orçamento, não sabia como era esse negócio. Então me indicaram uma pessoa para eu conversar, ela me falou mais ou menos o que que era, deu umas bases.

Aí fiz o orçamento da minha própria cabeça, não sabia mexer no Excel, fiz no Word, e botei uns valores que achava justo. Totalmente errado, né? Não fazia nenhum sentido os valores. Fiz tudo sozinho, não tinha dinheiro, não tinha ninguém, falei: “Pelo menos eu entendi como é que faz, né?”

E aí o negócio ganhou. O projeto foi aprovado para o edital do “Filme em Minas” na categoria curta-metragem. Ganhei 100 mil reais para fazer um curta-metragem. Só que tinha que finalizar em 35 mm. Era obrigatório finalizar em película, não me pergunte o porquê. E aí, eu ganhei essa grana e falei: “Porra, então, vamos fazer, né?” Então, comecei e desde então, não parei.

Recomendações de Filmes Nacionais:

No fim da entrevista, Affonso recomendou alguns de seus filmes brasileiros favoritos, que serviram como inspiração para vislumbrar uma carreira como cineasta:

• Marcelo Zona Sul (1970) - Xavier de Oliveira

• André, a Cara e a Coragem (1971) - Xavier de Oliveira

• Lúcio Flávio, o Passageiro da Agonia (1977) - Héctor Babenco

• Os Queixadas (1978) - Rogério Corrêa

• Anjos da Noite (1987) - Wilson Barros

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Dirigidos por mineiros:

• A Vida Provisória (1968) - Maurício Gomes Leite

• Cabaret Mineiro (1981) - Carlos Alberto Prates Correia

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Editoria: Daniel Santos
Revisão: Gabriel Barcelos

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Por: Gustavo Monteiro, Pedro Naves e Rafael Silva*

A 1ª edição do Cinema da Favela, projeto de formação audiovisual voltado a jovens moradores da Pedreira Prado Lopes, foi responsável por presentear a comunidade local – e a nós – com o curta-metragem Adolescência.

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“Levei o projeto para a Escola Belo Horizonte. Eles foram super abertos. Nos receberam com todo apoio e juntou a turma. Eles selecionaram os meninos que acharam que tinham mais engajamento e a gente conseguiu executar.”, destaca Tamira, coordenadora do projeto, da produtora Nós da Fita e uma das diretoras do curta ao contar brevemente sobre o surgimento do projeto e sua adesão na comunidade.

Esse trabalho conjunto deu origem a um projeto que reflete uma realidade muitas vezes apagada sobre as favelas, mas que, sob o olhar juvenil, torna-se o foco de uma forma ainda mais bonita. A narrativa, com 8 minutos de duração, foi fruto de uma série de oficinas ministradas aos alunos da Escola Municipal de Belo Horizonte, na Pedreira Prado Lopes, Região Noroeste de BH.

Adolescência acompanha Stephanie na chegada a uma nova escola em um momento em que ela ainda carrega traços da infância, como a companhia de sua boneca de pano. Entre ajustes, descobertas e novas convivências, o filme retrata sua transição para a adolescência na Pedreira Prado Lopes, marcando o início de outras formas de ser, sentir e se colocar no mundo.

Adolescência

A exibição do curta feito pelos alunos já começa com palmas. A primeira cena está a poucos segundos na tela e todos dentro da sala do Cine Graciano vibram muito. Ver na sua frente o resultado de 6 meses de trabalho parece não ser apenas gratificante para os profissionais envolvidos, mas também para os estudantes. Na roda de conversa realizada posteriormente, eles destacam como o filme deu esperança a eles – de diferentes formas, o projeto se conectou com aspectos da vida dos jovens de maneiras inimagináveis.

Um dos momentos marcantes do filme se inicia quando a boneca de Tetê (apelido de Stephanie) ganha vida. E com ela, as outras artes da favela. A personagem, interpretada por Barbara, de 11 anos, então aluna do 6º ano, traz para tela o talento da vida real: o rap. A jovem compôs 2 canções (A Vida e a 2ª esperança) para o projeto e pôde integrá-las na história. Apoiada por seus colegas, que a alçaram ao patamar de artista, a menina tem grande apoio familiar para seguir seus sonhos. Em entrevista, contou como a notícia foi recebida pela mãe, que a acompanhava na exibição, com muita alegria:

“Eu contei para todos eles (familiares). A minha mãe ficou muito feliz porque é uma oportunidade que a gente que mora na favela não vai ter sempre. Então, eu contei para todo mundo, todos ficaram doidos: ‘Bárbara, que dia que vai sair? Que dia o filme vai estar pronto?’”, afirma a atriz.

Além da música, a dança também ganha evidência no curta. Essa, que é o principal motor do filme, une todo aquele grupo de alunos que inicia distante e é unificado pelo sonho de participar de um concurso de dança no Rio de Janeiro. Uma realidade que perpassa a tela, já que um dos alunos do projeto, que não aparece em tela, foi a inspiração para a história. Seus colegas realizaram seus sonhos contando as conquistas de seu amigo – existe sentimento de comunidade maior do que esse?

Ao final da história, fica a sensação de que a exibição apresentou uma realidade da Pedreira que costuma ser esquecida: um lugar cheio de sonhos. Sejam daqueles que estavam reabrindo o Cine Graciano, localizado no Bairro Lagoinha, na Região Noroeste de Belo Horizonte – local que permitiu essa exibição e conta com uma programação gratuita a partir daquele dia – como uma forma de resistência cultural, dos alunos que agora percebiam diversas oportunidades e escolhas pela frente, dos pais que enxergam um futuro para os filhos longe de um realidade estigmatizada ou até mesmo dos professores (da escola e das oficinas), que puderam confirmar suas esperanças de que a educação é transformadora. O nome da obra ganha relevância não apenas pela representação dessa fase específica da vida, mas também por ela ser um momento de esperança, de acreditar em um mundo melhor e praticá-lo.

Pedreira Prado Lopes

O bairro Pedreira Prado Lopes – ou apenas PPL –, localizado na Região Noroeste de BH, é a favela mais antiga da capital mineira. Estima-se que ela começou a ser ocupada entre 1900 e 1920. Ela se formou em decorrência da necessidade de trabalhadores de residirem mais próximo ao centro de Belo Horizonte, o que fez com que eles assentassem e desenvolvessem o aglomerado.

A escolha do nome deve-se ao fato de que o local era um ponto de extração de pedras – calcário e blocos de rocha – que foram utilizadas para a construção da cidade. A antiga Pedreira da Viação foi comprada pelo engenheiro e governador de Minas Gerais, Antônio Prado Lopes Pereira, que ficou no posto representativo por cerca de 1 mês em 1910. O nome atual da comunidade se dá justamente por causa do ex-donatário.

Estima-se que mais de 7 mil pessoas residem na PPL atualmente, um dos locais com o acervo cultural mais interessante da cidade. Foi lá que surgiu a primeira escola de samba de BH, a Unidos do Guarany, e o primeiro bloco de rua do município, os Leões da Lagoinha.

Mesmo sendo um local rico culturalmente, a maior parte das matérias jornalísticas que surgem cotidianamente sobre o bairro retratam sobre as violências que ocorrem no local. Uma rápida busca no google expõe como as tragédias cotidianas viram matéria e estigmatizam quem reside / quem vem de lá.

Yasmim, mãe da Bárbara – atriz e compositora das músicas inéditas para o filme mencionada anteriormente –, aponta que espaços como esse de construção artística são importantes de se ter na comunidade. Afinal, é assim que se mostra um lado que costumeiramente não é visto nas manchetes de jornais.

“Foi bom ver no filme um outro lado da favela. Por vezes, não enxergamos a comunidade do mesmo modo. Em algumas ocasiões, achamos que o lugar não é bonito, só que no filme ficou tudo lindo e perfeito”, diz. “A favela é realmente aquilo retratado na história, com as crianças brincando na rua… Logicamente tem suas coisas ruins, mas não podemos deixá-las nos impedir de crescer. Temos que sonhar e ter vontade de sair dessa realidade”, finaliza Yasmim.

A mostra

Além de Adolescência, a mostra contou com outros dois curtas-metragens que retratam as óticas de quem reside na periferia. A obra PPL é Quem? conta sobre aqueles que pavimentaram o cenário cultural e comunicacional da Pedreira. No enredo, tem-se contato com diferentes figuras da comunidade, que compartilham suas vivências e hábitos. O filme brinca com essa mescla de passado e presente através dos relatos, somadas aos novos modos de se comunicar.

Já o filme Engole o Choro trabalha algo comumente visto no Brasil como um todo. Ambientado em São Paulo, o curta trata da questão do abandono parental e as possíveis consequências dessa ausência familiar. Com um final para lá de emocionante, a obra mostra que mesmo que existam distâncias geográficas, muitas das dores vivenciadas por residentes de periferias são similares.

A produtora cultural, idealizadora do projeto de oficinas e responsável pela curadoria dos filmes que passaram no sessão, Tamira Abreu, aponta que a escolha dos filmes se dá pela possível proximidade da narrativa com a vida dos jovens que iriam assistir o curta. Ela ainda informa que a intenção era a de que o ator da história, Renato Novaes, fosse conversar com os jovens, mas um conflito de agenda impossibilitou que isso ocorresse.

“A proposta era trazer filmes sobre as quebradas”, diz. “É difícil fazer esse link, trazer filmes que vão conversar com a mostra, com a proposta que você está fazendo e que dialoga com a faixa etária que você está lidando, porque são adolescentes. Eles têm que entender, se identificar com as histórias”, completa Tamira.

Os filmes foram escolhidos por questão de reconhecimento, mas também para entender que há esperança naquela e em outras quebradas. Antes da exibição, Tamira destacou que aquele era um movimento importante porque os alunos estavam exercendo funções que, muitas vezes, a sociedade não julgava adequadas para eles. Os dias anteriores à exibição na PPL foram marcados por rondas de helicópteros que eram os despertadores dos moradores.

As pipas, alçadas aos céus no curta, são um contraponto ao tumulto dos veículos aéreos da polícia, mas também são uma forma de demonstrar que aquela é a realidade que os moradores querem e acreditam. As hélices cortam o céu como quem corta os sonhos da comunidade.

Elas se esquecem que as pessoas, que ali moram, não vivem de violência, mas vivem ao lado dela. Eles se mantêm de sonhos. Os mesmos que começaram com os trabalhadores que só precisavam morar mais próximos ao centro. O curta, mesmo que em 8 minutos, deu a oportunidade que precisavam de se ver representados.

“A favela em si tem muita violência. Só que tem muitas pessoas de bem. A cada 10 moradores, acho que não chega nem ser um que é da vida errada, mas não é isso que o jornal mostra. A favela é realmente aquilo, as crianças brincando na rua, igual foi retratado no filme”, aponta Yasmin, mãe da Bárbara.

As oficinas

O projeto, voltado para discentes do Ensino Fundamental 2 – do 6º ao 9º ano –, foi feito entre os meses de agosto e novembro. Os alunos tiveram contato com as principais funções na construção de um filme: roteiro, direção, câmera, som, arte, figurino, produção e edição. Ele foi viabilizado através de uma captação de recursos, através das políticas de incentivo da Secretaria Municipal de Cultura.

Todas as aulas foram ministradas por especialistas do mercado do audiovisual, com mesclas entre aulas expositivas e práticas. O intuito era não somente a produção do curta-metragem, mas também a abertura de novos horizontes profissionais na mente dos jovens artistas.

De acordo com Tamira, a ideia de ofertar oficinas partiu de diálogos com o pai, o que suscitou o interesse de colocar para frente a idéia de dar aulas sobre cinema aos jovens.

“A princípio, eu tinha pensado em fazer as oficinas no Centro Cultural. Depois, através de um outro projeto que vi, pensei: ‘Não, eu vou fazer o seguinte, não irei esperar virem até mim, vou atrás do meu público’”, aponta a produtora cultural.

Novos modos de fazer arte e, a partir disso, novos modos de sonhar foram construídos nessa dinâmica que une pedagogia e cinema. O estudante Matheus Gilmar, de 14 anos, aluno do 7º ano, gostou de ter contato com todas as oficinas, principalmente a de som. Ainda, ele observa que uma nova porta pode ter se aberto com essas novas habilidades desenvolvidas.

“Para mim a experiência foi boa. Todas as aulas foram. Não tinha uma que nós não prestamos atenção, focamos em todas. “Eu quero mais”, diz. “Planejamos fazer outros filmes, mas eu quero fazer a parte dois de ‘Adolescência’”, afirma o aluno.

Os alunos aparentam ter pegado gosto pela atuação, o que demonstra que a intenção de abrir novos horizontes com as oficinas pode ter acendido a chama de uma profissão no campo da arte pode ter surgido no coraçãozinho dos nossos atores. De acordo com a aluna Kemely Santos, de 14 anos, estudante do 9º ano, o resultado final com o filme fez com que valesse a pena cada aula que tiveram.

“Eu achei que foi legal, pensei que ia ficar com mais vergonha, só que até que foi pouco”, aponta. “Foi a nossa primeira vez fazendo um filme. Por isso, achei que não ia dar muito certo”, aponta a jovem.

Tanto a Kemely quanto o Matheus tiveram que superar a timidez para atuar. A proximidade deles não fica só nessa característica. Ambos relataram que a cena que mais gostaram de atuar foi a cena final: uma confraternização em uma sorveteria, em que a alegria reinou e sorrisos contagiantes ganharam destaque.

Esse sentimento compartilhado por todos no último ato, somada aos discursos dos alunos na roda de conversa, demonstra o poder e a importância do projeto para a vida das crianças. Esperamos que a parte dois supere os roteiros e telas e venha na tão comentada viagem ao Rio de Janeiro que não saiu da boca dos nossos multi artistas.

*Esta matéria foi elaborada por uma colaboração entre Revista Curió e RU3 | Revista Universitária. Você pode conferir o texto em ambas as plataformas.

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Editoria: Carolina Cerqueira e João Pedro Ribeiro
Capa para as redes: Fernanda Miranda

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Por Carolina Cerqueira e Davi Reis

O audiovisual no Brasil está em grande momento econômico, com uma história marcada por pequenos momentos de grande ascensão e pouca duração, cortes de verba que quase extinguiram a produção nacional e muita luta por parte dos trabalhadores desse setor para fazerem os seus projetos acontecerem. Produções recentes recolocaram o país no radar do cinema mundial, enquanto políticas públicas ampliaram o volume de recursos disponíveis para produção. Ainda assim, por trás dos números positivos, o cotidiano de quem trabalha no setor segue marcado por instabilidade, renda irregular e dependência de ciclos políticos.

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Uma história de avanços e solavancos

A história do cinema brasileiro é marcada por movimentos de expansão seguidos de rupturas abruptas. Desde o momento em que o ítalo brasileiro Afonso Segreto filmou a baía da Guanabara em 1898 – com a primeira câmera de cinema trazida para o território tupiniquim – houveram dois grandes surtos de industrialização do Cinema no Brasil: a Companhia Cinematográfica Vera Cruz e a Embrafilme.

A Vera Cruz foi um estúdio criado em 1949 que, junto ao Maristela e Atlântida, tentava trazer o studio system — o sistema de produção adotado por Hollywood a partir dos anos 30 e que durou até o começo da década de 1960, em que poucos estúdios dominavam a produção e a distribuição dos filmes através de uma integração verticalizada — para o Brasil. Em 5 anos de existência, a companhia produziu mais de 40 longa-metragens, e filmes como “O Cangaceiro” (1954) chegaram a atrair mais de 800 mil espectadores brasileiros e arrecadar milhões de dólares no exterior.

No entanto, mesmo que seus filmes fossem sucesso internacional, o valor arrecadado pela distribuição dessas produções em outros países ia para os bolsos das companhias estrangeiras, o que tornou o negócio insustentável e acarretou na declaração de falência do estúdio um ano após o seu maior sucesso, em 1954.

Já a Embrafilme foi uma empresa de economia mista estatal que surgiu em plena Ditadura Militar e foi fundamental para a manutenção do cinema brasileiro durante esse período. No seu auge, em 1975, o Brasil chegou a ter 3.276 salas de cinema e um total de 275 milhões de ingressos vendidos. No entanto, durante seu tempo de atividade enfrentou fortes campanhas contra sua existência, que a acusavam de clientelismo e má administração. Até ser extinta durante o Governo Collor, no começo dos anos 90.

Esses ciclos ajudam a explicar por que o audiovisual brasileiro, mesmo quando cresce, o faz sob bases frágeis e do cenário econômico.

Ao voltarmos para o presente, estatísticas mostram que o audiovisual está em grande momento econômico. A Oxford Economics publicou o estudo A contribuição econômica da indústria audiovisual no Brasil em 2024, que aponta que o setor movimentou mais de R$70,2 bilhões, e gerou mais de 608,9 mil empregos no ano passado (2024), além de representar cerca de 0,7% do PIB no mesmo ano.

Filmes como “Ainda Estou Aqui” (2024) e “O Último Azul” (2025) foram sucessos no mercado internacional e ganharam, respectivamente, o prêmio de melhor longa-metragem internacional no Oscar e o Urso de Prata Grande Prêmio do Júri no Festival de Berlim. A produção de Walter Salles, por exemplo, ultrapassou a marca de 5 milhões de espectadores e arrecadou R$104,7 milhões, tornando-se a terceira maior bilheteria nacional da história. O filme também conquistou mais de 30 prêmios internacionais, incluindo o Oscar de Melhor Filme Internacional, e rendeu a Fernanda Torres o Globo de Ouro de Melhor Atriz em Filme Dramático.

A aposta de premiações para o ano é o novo longa-metragem de Kleber Mendonça Filho, com “O Agente Secreto” (2025), que já foi indicado para o Globo de Ouro e está na pré-lista do Oscar de 2026.

Reconhecimento garante estabilidade?

Apesar do crescimento econômico e do reconhecimento internacional, a realidade financeira dos profissionais segue distante da imagem de prosperidade. Affonso Uchoa, diretor de filmes premiados como “Arábia” (2017) — com co-direção de João Dumas — e “Vizinhança do Tigre” (2014), afirma que a renda obtida com a circulação dos filmes foi insuficiente para garantir a sobrevivência. Segundo ele, “Vizinhança do Tigre”, exibido por anos em plataformas e festivais, gerou menos de R$3 mil em repasses ao longo de quase quatro anos. Já “Arábia”, produzido com orçamento aproximado de R$650 mil via edital público, não retornou sequer um sexto desse valor em receitas totais. “O dinheiro existe, mas ele não se distribui de forma que permita viver do cinema independente”, resume.

A realidade é que a maior parte dos profissionais precisa complementar a renda atuando como técnicos, montadores, roteiristas ou prestadores de serviço em outras produções. “Eu nunca vivi só de cinema. Sempre trabalhei com outras coisas ao mesmo tempo, dando aula, fazendo outros tipos de trabalho, porque o cinema, do jeito que ele funciona aqui, não garante uma estabilidade”, relata o diretor de Aráboa. O cinema, nesse contexto, pode se sustentar mais como vocação e militância cultural do que como atividade economicamente estável.

Outro ponto que Affonso destaca é a expansão das plataformas de streaming, que mesmo tendo aberto novas frentes de trabalho, também impôs limites. Para o diretor, trabalhar para grandes conglomerados significa abrir mão do controle criativo e aceitar métodos industriais de produção. “Você vira um profissional contratado. O filme não é seu, e as decisões finais não passam por você”, afirma. Ainda assim, ele reconhece que esse caminho é legítimo e, muitas vezes, necessário para garantir a sobrevivência. O problema, segundo o diretor, é que esse modelo não comporta todas as formas de cinema, especialmente aquelas que se afastam de padrões narrativos e estéticos mais comerciais.

O brasileiro e as produções brasileiras

Essa ascensão dos filmes se reflete também no aumento da presença do público nas salas de cinema. Entre maio de 2024 e maio de 2025, a bilheteria de filmes brasileiros cresceu 197%, segundo dados da Ingresso.com, o melhor desempenho desde o início da pandemia. O número indica não apenas uma recuperação, mas um interesse renovado do público pelo cinema nacional. Para Affonso Uchoa, no entanto, esse crescimento precisa ser observado com cautela. O diretor aponta que o aumento de público está concentrado em poucos títulos e não representa, necessariamente, uma retomada estrutural do hábito de ir ao cinema. Segundo ele, a experiência coletiva da sala vem perdendo espaço em um contexto marcado pelo alto custo dos ingressos, pela concentração das salas em shoppings e pela abundância de alternativas de consumo audiovisual no streaming.

A expectativa para o futuro, de acordo com o cineasta, é ambígua. Por um lado, o cinema segue vivo como linguagem e desejo coletivo, especialmente quando consegue dialogar com o público e refletir experiências sociais compartilhadas. Por outro, a sustentabilidade dessa retomada é incerta. Sem políticas consistentes de acesso, preços mais populares e fortalecimento das salas de rua e circuitos alternativos, o risco é que o crescimento recente se limite a exceções, e não se consolide como regra.

Incentivos públicos e o efeito no mercado de trabalho

Ainda antes da década de 1990, o Estado desempenhava um papel importante na sustentação da produção cinematográfica — como no caso da estatal Embrafilme. O seu fechamento, no entanto, mergulhou o setor em uma profunda crise, quase paralisando a produção nacional.

Para preencher esse vácuo, ao longo dos anos 1990 e 2000 foram criados mecanismos de incentivo que se tornaram a espinha dorsal da política audiovisual brasileira. A Lei do Audiovisual (Lei 8.685/93) introduziu incentivos fiscais para que pessoas físicas e jurídicas pudessem investir em produções nacionais com dedução de imposto de renda — um modelo que passou a financiar grande parte dos filmes exibidos no país entre 1995 e 2016. Um estudo realizado na Universidade de São Paulo, mostra que, nesse período, 930 dos 1.370 filmes nacionais exibidos foram financiados por mecanismos de incentivo fiscal, que injetaram cerca de R$5,7 bilhões no setor.

A criação da Agência Nacional do Cinema (Ancine) em 2001 e do Fundo Setorial do Audiovisual (FSA) em 2006 consolidou um novo arranjo institucional de fomento. Esses instrumentos ampliaram os recursos disponíveis e passaram a articular o financiamento não apenas da produção, mas também de distribuição, exibição e serviços técnicos.

No contexto recente, os incentivos públicos ganharam escala sem precedentes. Entre 2023 e 2024, o setor audiovisual brasileiro recebeu cerca de R$4,8 bilhões em investimentos federais, incluindo recursos do FSA e de leis de incentivo — somados ainda mais R$2,8 bilhões da Lei Paulo Gustavo. Esses aportes ajudaram a viabilizar centenas de projetos em todo o país, estimular circuitos de exibição, promover formação profissional e, diretamente, gerar trabalho formal e informal para milhares de cineastas, técnicos e produtores.

Para Uchoa, essa trajetória histórica de incentivos explica por que a economia do cinema brasileiro continua dependente da intervenção pública: “sem o fomento estatal, muitos projetos simplesmente não existem ou não conseguem alcançar o público para gerar circulação e renda”. O diretor observa que os recursos públicos, apesar de cruciais, frequentemente não chegam com a rapidez ou previsibilidade necessárias para que os profissionais planejem suas carreiras com segurança. Em sua avaliação, isso alimenta uma lógica de trabalho precário, em que criadores se dividem entre múltiplos papéis — de freelancers, professores ou técnicos — para sustentar suas vidas enquanto navegam ciclos de edital e financiamento.

O Brasil de hoje ainda vive um cenário de políticas episódicas, em que grandes injeções de recursos, como a Lei Paulo Gustavo, funcionam como “remendos” que aliviam tensões imediatas no mercado de trabalho, mas não resolvem a falta de um arcabouço estável e contínuo de incentivos. Para Uchoa, persistem desafios: ampliar mecanismos que conectem financiamento à circulação efetiva, fortalecer o mercado de trabalho com vínculos mais regulares e garantir que o sucesso retórico do audiovisual brasileiro — visível em números de público e prêmios — se traduza em condições de trabalho duradouras para quem faz o cinema acontecer.

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Editoria: Daniel Santos
Revisão: Matheus Ávila
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Por Carolina Cerqueira, Davi Reis e Thiago Furbino

Sob o clima de Halloween, ocorreu, entre os dias 31 de outubro à 9 de novembro, no Cine Humberto Mauro, no Palácio das Artes, a 27ª edição do Festival Internacional de Curtas de Belo Horizonte, o FestCurtasBH.

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Foram exibidos 110 curtas-metragens, distribuídos em 13 mostras gratuitas, reafirmando o compromisso do festival em dar visibilidade a produções que têm pouco espaço no circuito mainstream. Para além das salas de cinema, o evento se consolidou como um espaço de encontro e democratização da cultura, com debates, seminários, oficinas e shows, além de mostras voltadas ao público infantil e juvenil, com sessões especiais para crianças da rede municipal.

Os filmes também foram foram transmitidos em streaming, pela plataforma Cine Humberto Mauro Mais durante o festival, com o objetivo de ampliar o alcance das produções. Na plataforma é possível acessar curtas vencedores dos últimos anos.

Filmes-Feitiço e Narcisa Hirsch: um diálogo oportuno

Nesta edição, o FestCurtasBH apresentou, como eixo norteador, a mostra inédita “Filmes-Feitiço”, inspirada pela temática do Halloween. O recorte foi concebido durante o processo de curadoria a partir da necessidade de abarcar obras que propõem modos anticapitalistas de perceber o mundo, cada vez mais desencantado e reduzido à racionalização.

Para Vitor Miranda, coordenador-geral do festival: “Vivemos em um mundo mecanizado, cheio de máquinas e robotizado. Há filmes aqui que buscam justamente resgatar esse encantamento com o cinema. Como podemos nos encantar novamente pelo audiovisual? Esse é o mote deste ano.”

Segundo ele, a mostra também dialoga com uma tradição de cinema que desafia convenções: “É uma mostra histórica, que se insere nessa ideia de um cinema feito por mulheres, experimental, de encantamento, de feitiço. Está tudo dentro dessa chave.”

Se o desafio era reencantar o público com o cinema, os organizadores acertaram na escolha da artista homenageada. Em sintonia com a proposta central do evento, foi realizada a mostra especial “Os Gestos de Narcisa Hirsch”, dedicada à cineasta experimental argentina de origem alemã, falecida em 2024.

Reconhecida como um dos nomes fundamentais do cinema experimental e das artes visuais, Hirsch teve sua obra celebrada em uma retrospectiva de 14 filmes que dialogam com temas como o corpo feminino, a memória, a sexualidade e a paisagem, sempre atravessados por uma dimensão espiritual e política.

Na noite de estreia, a exibição dos curtas “Diarios Patagónicos 1” (1970) e “Diarios Patagónicos 2” (1972), ambos de Narcisa Hirsch, foram um bom vislumbre do caráter mágico que permeou o festival. Nas palavras da autora, essas obras podem ser classificadas como “delírios fílmicos”.

Recorde de inscrições marca a edição de 2025

Iniciado em 1994, o FestCurtasBH celebrou, em 2025, 31 anos de existência. Foram 27 edições, com uma pausa de cinco anos entre a segunda e a terceira. Desde então, o Festival se firmou como importante referência de divulgação audiovisual no cenário brasileiro e internacional.

Realizado pela Fundação Clóvis Salgado, o evento surgiu com o intuito de valorizar o formato do curta-metragem e seus entusiastas, fazendo uma ponte entre a academia, pelo caráter de pesquisa e registro, os realizadores e o público em geral.

Ao longo dos anos, e com sua consolidação e reconhecimento no cenário nacional, o Festival passou a apostar cada vez mais na diversidade de mostras, na inventividade e no desprendimento quanto às montagens tradicionais, o que abriu espaço para um cinema experimental e inovador. Como resultado dessa tradição, e com o apoio de políticas públicas, em 2025, o FestCurtasBH recebeu número recorde de inscrições: foram 3.359 curtas, sendo 1.493 brasileiros, exibidos em 13 mostras distintas, três delas competitivas: Brasil, Internacional e Minas. O volume exigiu da curadoria um trabalho redobrado de seleção.

Renan Eduardo, membro do grupo de curadoria, acredita que as políticas públicas são fundamentais para a viabilização dessas produções, e que o aumento das submissões nesta edição reflete isso: “Com as leis de incentivo, como a Paulo Gustavo e a Rouanet, conseguimos enxergar uma proliferação de realizadores que não participaram de outras edições, realizadores mais jovens, do interior, não só de Minas, mas de várias regiões do país. Isso é muito fruto das políticas públicas que têm sido aplicadas nos últimos anos.”

Para lidar com a quantidade de inscrições deste ano e as escolhas dos filmes, Renan comenta que: “Eu sinto que a proposta da curadoria, é buscar a invenção, buscar filmes que vão desafiar de algum modo os gostos, que vão tentar inovar, que vão tentar lidar com algum risco cinematográfico, algum risco formal, algum risco no conteúdo”.

RU3 no 27º FestCurtasBH: impressões e destaques

Como não poderia ser diferente, a equipe da RU3 compareceu ao 27ª FestCurtasBH e conta um pouco dessa experiência:

Thiago Furbino, repórter da revista, destacou o filme “Tigrezza” (Vinicius Eliziário, 2024), exibido na Mostra Competitiva Nacional (05/11). “Ao mesmo tempo em que utiliza uma montagem tradicional, semelhante à de produções com mais investimentos, o curta consegue abordar temas extremamente relevantes, como o preconceito contra pessoas queer, de uma forma bem original.” Segundo o repórter da RU3, “O enredo é muito envolvente: traz elementos atuais, como o uso de aplicativos de encontro, a estética mandrake, as gírias, entre outros, enquanto é embalado por uma trilha sonora repleta de clássicos da MPB, cujas letras ajudam a costurar a história de amor entre os protagonistas e o processo de autoaceitação que ambos vivenciam.”

Outro ponto positivo do Festival, segundo ele, foi o show da cantora e cineasta Ava Rocha que ocorreu nos Jardins Internos do Palácio das Artes. “É um espaço pouco usado para esse tipo de atividade, então é muito legal ver iniciativas que incentivam o público a aproveitar o lugar. Além disso, o show foi incrível e a performance tem tudo a ver com a proposta do Festival, de Filmes-Feitiço”.

Para Davi Reis, repórter e editor de críticas, “Se existe algo que chamou a minha atenção na segunda Mostra Competitiva Minas (04/11) é como cada curta-metragem ali opta por fazer, à sua própria maneira, a imagem entrar em fricção com aquilo que veio antes do momento que ela está registrando. Em “Pequeno B” (Lucas Borges, 2025), por exemplo, vemos a história de um pré-adolescente brigão que em poucos minutos descobrimos ser obcecado pelos filmes de Kung Fu que cresceu assistindo ao lado de seu tio. O passado entra na narrativa exatamente dentro dessa relação do protagonista com seu repertório de longas-metragem de luta. E tudo isso acontece dentro de um universo fictício sonorizado por beats de lo-fi e cenas de luta que remetem aos animes shounens de porrada que o próprio Lucas Borges é obcecado, assim como o Pequeno B”.

Já “Mãe do Ouro” (Maick Hannder, 2024) é um filme em que o passado se materializa através da ausência: Tiana perdeu sua irmã, que nunca aparece diante da câmera. A partir dessa escolha, acompanhamos os relatos e as feições da personagem, que apresentam as memórias não vividas e as desavenças não resolvidas atropeladas pela morte da irmã, que só existe no fora de campo em um tempo que não é aquele que está sendo filmado. Por outro lado, em “Tita: 100 anos de luta e fé” (Danilo Candombe, 2024), o passado se manifesta a partir da interação da personagem (que dá nome ao filme) com o mundo ao seu redor. Cada gesto da matriarca do Morro Santo Antônio revela uma reverência aos antepassados dos habitantes do quilombo próximo a Itabira. Pelo bem e pelo mal, existe um mundo além de cada uma dessas imagens exibidas no Cine Humberto Mauro.

Para Carolina Cerqueira, repórter e diretora da RU3, o festival segue mais uma edição buscando mesclar temas emergentes em sua programação, mas com um toque de experimentalismo, que se renova todos os anos. “Uma das mostras mais interessantes que vi foi a Competitiva Brasil, do dia 5/11, na qual os filmes dialogaram muito entre si, com tema de meio ambiente e diferentes perspectivas sobre isso, destaque para o curta “Maira Porongyra - O aviso do Céu” (Kujãesage Kaiabi, 2025), filme feito ao longo de 12 meses, em uma oficina audiovisual ministrada por Mari Corrêa, com indígenas do Xingu. Interpretando deuses do povo Kaiabi, a narrativa convoca os outros deuses para uma reunião no céu, onde transmite um aviso inquietante sobre a mudança da terra”.

Editoria: Carolina Cerqueira

Revisão: Matheus Ávila

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Por Raytê Mendes

O que é esse tal de Grammy Latino?

Para quem caiu aqui de paraquedas e não sabe muito bem do que se trata, aqui vai uma breve explicação rápida. O Grammy Latino é uma premiação organizada pela Academia Latina da Gravação, que ocorre anualmente para enaltecer a música latina, organizada com categorias específicas de gênero, língua e gerais. A premiação é equivalente ao Grammy tradicional, mas, em vez de premiar artistas de todo o mundo, o Grammy Latino foca em produções em português e espanhol, reconhecendo a riqueza cultural e a diversidade musical da América Latina.

Essa distinção existe porque a indústria musical latina possui características próprias, desde ritmos e estilos até mercados específicos. Assim, o Grammy Latino surgiu para dar visibilidade a esses talentos que muitas vezes não têm o mesmo espaço que artistas internacionais em premiações globais. Os artistas indicados neste ano são a melhor representação dessa pluralidade.

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Os indicados

Esse ano tivemos um total de 19 artistas brasileiros indicados, que concorrem em 22 das 60 categorias da premiação. Dentre essas categorias, os brasileiros marcaram presença em todas as quatro principais do Campo Geral (Gravação do Ano, Álbum do Ano, Canção do Ano e Artista Revelação), além de diversas categorias dos Campos Específicos. A edição de 2025 é marcada, além da diversidade de estilos, de gerações da música, com destaques para Liniker, Papatinho e Joyce Alane, que levam as culturas do Brasil para a premiação, mostrando ao mundo a pluralidade sonora e a riqueza artística do nosso país.

Com seu álbum “Índigo Borboleta Anil”, lançado em 2021, Liniker recebeu a premiação de Melhor Álbum de Música Popular Brasileira, no Grammy Latino de 2022, fazendo um marco histórico ao se consagrar como a primeira artista trans do Brasil a receber um Grammy. Mas não satisfeita ela retorna novamente neste ano.

Na premiação de 2025, Liniker foi indicada a 7 categorias, e dentre elas as principais: Álbum do Ano, com o álbum “Caju”, Gravação do Ano, com “Ao Teu Lado” e Canção do Ano, com “Veludo Marrom”. Lançado em 2024, “Caju” foi o segundo álbum de estúdio da cantora, trazendo letras tocantes e participações incríveis de artistas como Lulu Santos, BaianaSystem e a dupla ANAVITÓRIA.

Numa pegada totalmente diferente de seu último projeto, antes marcado pela junção de gêneros como o MPB, jazz, soul, “”Caju”” possui um enorme leque de ritmos, que vão desde pop e house à pagode e reggae, reforçando seu alto nível e sua capacidade de performar em diferentes gêneros musicais, rompendo o estigma que recai sob artistas pretos e ocupando seu lugar como cantora pop. Em apenas 5 anos de carreira solo Liniker teve seus dois álbuns indicados na maior premiação de música do mundo, e hoje se encontra no auge de sua carreira, sendo considerada umas das maiores e mais requisitadas vozes do nosso país.

Uma das maiores surpresas neste ano foi o lançamento do álbum “MPC (Música Popular Carioca)”, de Papatinho, indicado à categoria de Melhor Álbum de Música Urbana. O produtor musical acertou em cheio com o lançamento de MPC, fazendo um favor à cena trazendo um ar de novidade, usando e abusando de samples do bom e velho funk carioca, com participações de grandes nomes da música carioca, como BK, que também participa da premiação nas categorias Melhor Interpretação Urbana em Língua Portuguesa e Melhor Vídeo Musical Versão Curta.

Papatinho, que já havia feito uma participação na trilha sonora do filme “Bad Boys: Até o Fim” (2024), levando o funk carioca até as terras hollywoodianas, atualmente vive um momento histórico em sua carreira. Após sua indicação ao Grammy, o DJ chamou atenção da cena musical internacional, sendo seu trabalho mais recente a música “SQUAD”, com as participações de Emicida, Major RD e BK. A produção foi feita especialmente para o lançamento mais recente de um dos maiores jogos eletrônicos atuais, Battlefield 6.

E na categoria de Melhor Álbum de Música de Raízes em Língua Portuguesa tivemos um nome inédito, Joyce Alane! Seu segundo álbum de estúdio, “Casa Coração”, garantiu sua indicação na categoria junto a João Gomes, Camané, Natascha Falcão e Fitti. Nele, a cantora retorna às suas raízes pernambucanas, contando com seis releituras de forrós tradicionais (e uma faixa inédita), mas com uma pegada mais contemporânea e intimista.

Joyce Alane iniciou a sua carreira na música em 2020, durante a pandemia, onde em um quadro nas redes sociais, chamado “Me dá uma luz”, ela compunha músicas a partir de palavras sugeridas por seus seguidores. Em 2022 houve um divisor de águas, com o lançamento de seu primeiro single, “Leão”, marcando o início de sua carreira profissional. Em abril de 2025, durante o 16º Prêmio da Música de Pernambuco, a artista saiu vencedora de duas categorias: Categoria SHOW e Álbum MPB. O álbum vencedor, “Tudo é minha culpa”, foi seu primeiro grande projeto produzido em estúdio, nele, ela conta de suas experiências amorosas e mostra as diversas emoções que vivenciamos ao decorrer da vida.

Com uma base consolidada de ouvintes, construída desde o início de sua trajetória na internet, a cantora se encontra em constante ascensão, realizando shows e turnês por todo o Brasil, fazendo passagens por palcos importantes, como a Casa Natura Musical, e realizando colaborações com grandes artistas, como a musica “Idiota Raiz (Deixa Ir)” com, a participação do tambem pernanbucano, João Gomes; e a abertura da turnê de Emicida “AmarElo – A Gira Final”, em sua passagem por Recife. Após sua indicação no Prêmio Multishow, e agora ao Grammy Latino, Joyce Alane segue sendo reconhecida como um nome de destaque entre os artistas brasileiros e recebendo notoriedade dentro do mercado nacional e internacional.

Esse momento, em que artistas brasileiros como Liniker, Papatinho e Joyce Alane são indicados a categorias importantes do Grammy Latino, reforça a criatividade da música nacional, mas também as multifacetas de estilos e gerações que definem a cena contemporânea do país. Além de celebrar nomes já consolidados, a premiação abre espaço para que novos talentos encontrem inspiração e trilhem seus caminhos. A cerimônia acontecerá no dia 13 de novembro, em Las Vegas, e nos resta aguardar para ver como esses representantes do Brasil irão brilhar no palco internacional, levando consigo nossas vozes, ritmos e toda a riqueza cultural que tornam a música brasileira tão única.

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Editoria: Daniel Santos

Revisão: Mayra Barbosa

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Texto colaborativo entre RU3 e Revista Curió elaborado por Caio Domingos, Rafael Silva e Vitor Pepino*

A Escola Municipal Belo Horizonte recebe, até o dia 12 de dezembro de 2025, a 1ª edição do Cinema da Favela, projeto de formação audiovisual voltado a jovens moradores da Pedreira Prado Lopes, uma das favelas mais tradicionais da capital mineira. Realizada pelo Nós da Fita e patrocinada pela Blip e pela Lei de Incentivo à Cultura de BH, a iniciativa é voltada para estudantes do Ensino Fundamental II – do 6º ao 9º ano –, que, por meio de uma série de oficinas, estão aprendendo sobre todas as etapas de produção de um filme.

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Idealizadora do projeto, a cineasta Tamira Abreu explica que a ideia nasceu da percepção que os sets de filmagens são espaços predominantemente brancos e ocupados por pessoas de classe média, o que despertou nela a vontade de encontrar formas de modificar essa realidade:

“a arte tem um potencial de transformação muito grande, e essa nova geração, com o telefone na mão, já conta as próprias histórias. Agora nossa proposta é profissionalizar esse processo”, afirma.

As oficinas do Cinema da Favela, que começaram em agosto, são conduzidas por profissionais atuantes no mercado audiovisual, combinando momentos expositivos com experiências práticas. A formação é dividida em núcleos temáticos que abordam diferentes áreas do cinema, como roteiro, direção, câmera, som, arte, figurino, produção e edição.

Ao longo das oficinas, os alunos exploram cada uma dessas etapas na prática, entendendo como funciona o processo de criação de um filme. No final do percurso, o grupo é dividido em funções e realiza, coletivamente, um curta-metragem – acompanhado dos mentores, mas com total liberdade criativa.

Este processo, utilizado como ferramenta de ensino, possibilita não só o surgimento de diferentes universos pedagógicos para os professores, mas de novas possibilidades de sonhos para os alunos. Nos diálogos com as crianças é possível perceber que a política educacional adotada pela escola também prevê o ensino de música e dança, permitindo a elas alcançar novos horizontes de construção coletiva de sentidos culturais.

Os primeiros passos no mundo do cinema

As aulas introdutórias, realizadas nas primeiras semanas, tiveram como objetivo apresentar os conteúdos e atividades que serão desenvolvidos ao longo do semestre, além de promover o primeiro contato com os alunos e conhecer seus interesses, vivências e repertórios.

Para Silvia Dias, coordenadora do projeto, um dos aspectos mais interessantes de acompanhar o desenvolvimento das oficinas é ver o crescente envolvimento dos estudantes.

“Acho legal que eles entendam primeiro como contar uma história, a história deles, a história da comunidade. Hoje com o vídeo muitas histórias são contadas, mas é um jeito diferente de dar voz a essas histórias, falar das próprias vidas, dos assuntos que mexem com eles, sejam temas pessoais, coletivos… Acho que vai trazer um benefício enorme, desenvolver a criatividade, mexer com a sensibilidade, o senso de coerência, tudo isso eles vão desenvolver enquanto contam uma história para outras pessoas”, comenta Silvia.

Primeiro a chegar na sala para a oficina de produção, Gustavo dos Santos Alves, de 12 anos, elogia a iniciativa e fala sobre a experiência de participar do projeto. Ele conta que “nunca tinha feito algo relacionado ao cinema e isso pode virar uma profissão ou algo relacionado ao tema no futuro. Posso em algum momento virar diretor, ter alguma profissão ligada ao ramo. São vivências que nunca tive”.

Além da dimensão técnica, o projeto trabalha valores sociais interessantes: “o cinema ensina a trabalhar em equipe, entender como o coletivo, como a função do outro é importante para resultar no trabalho do todo. Assim, ensinamos e também aprendemos com eles um pouco todo dia”, conclui Silvia Dias.

Mostra de cinema: Tudo que nois tem, é nois

A iniciativa chega ao seu momento mais emocionante com a produção de um curta-metragem feito inteiramente pelos jovens da Pedreira Prado Lopes. Com roteiro, direção e edição realizados pelos próprios participantes, o filme traz à tona histórias reais, que refletem o cotidiano, os desafios e as conquistas desta comunidade. É o resultado de um processo intenso de aprendizado e colaboração, onde cada jovem teve a oportunidade de transformar suas vivências em arte.

A Mostra Cinema da Favela, evento que encerra o projeto no dia 12 de dezembro, é vista como uma oportunidade para que os participantes apresentem seu trabalho para a comunidade, o que fortalece o senso de pertencimento e orgulho local. “A Mostra é o momento de celebrar o talento e a cultura da favela, e que o cinema pode ser uma poderosa ferramenta de inclusão social e valorização cultural”, finaliza a coordenadora Tamira. Assim, as narrativas contadas por esses novos cineastas podem vir a inspirar outros jovens a também fabular sobre sonhos e vivências nas comunidades.

* Esta matéria foi elaborada por uma colaboração entre Revista Curió e RU3 | Revista Universitária. Você pode conferir o texto em ambas as plataformas.

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Editoria: Carolina Cerqueira e João Pedro Ribeiro
Revisão: Ana Clara Moreira, João Pedro Ribeiro e Gabriel Martins

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Já pensou em um ambiente onde você poderia representar quem quisesse? Seus posicionamentos, pensamentos e opiniões, frente a assuntos de relevância global e discussões atuais? Em simulações da ONU (Organização das Nações Unidas) isso é possível.

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O ambiente das simulações da ONU — eventos acadêmicos nos quais estudantes assumem perspectivas de países, indivíduos ou organizações em temáticas variadas — são alternativas para aqueles que buscam treinar sua oratória, argumentação ou apenas para quem procura conhecer novas pessoas em um espaço diplomático.

As MUNs (Model United Nations), como também são conhecidas, foram originadas nos Estados Unidos durante o século XX, prévias à criação da ONU e para o treinamento de situações de negociação e enfrentamento político, servindo como um laboratório para aplicar as teorias aprendidas nos estudos de política internacional. Ao longo das décadas, o modelo foi adotado por outros países e instituições, tendo um rápido sucesso por conseguir trazer conversas em um ambiente de aprendizado e conexão, sendo reconhecido por organizações como a OEA (Organização dos Estados Americanos) e a própria ONU, parceiras desses eventos em todo o mundo.

As Simulações e o seu encontro com o imprevisível

Para além de um espaço voltado para a discussão dessas temáticas, as simulações possibilitam um palco de socialização e amizade entre pessoas com o mesmo interesse: diplomacia e debate. Um ambiente que contribui para o aprendizado acadêmico e difusão de conhecimento.

A participante Maria Clara Ottoni, estudante de Jornalismo do 4º período na PUC Minas e membro recorrente dessas simulações, relata sua vivência nesse meio:

“A forma com que debatemos e aprendemos é extremamente importante e acaba sendo divertido, também. Aliás, muitos amigos que tenho hoje eu fiz através das simulações, então é muito legal você esperar chegar aquela data só para rever todos, além de poderem formar mesas diretoras e serem do mesmo comitê… É muito importante que nós, jovens, possamos ter esse espaço de aprendizado de forma mais ‘lúdica’ e interessante.”

A participação dentro desses eventos é variável, desde representar países e organizações até figuras do meio político. Eu já participei de algumas simulações e, em uma das experiências que tive, simulamos uma Câmara dos Deputados, que se passava em 2024, e eu fui designado com a representação do deputado Eduardo Bolsonaro.

O primeiro pensamento que tive foi: “Não faço a menor ideia do que agregar neste debate.” E com uma temática de comitê voltada para a questão da Uberização do Trabalho e os direitos trabalhistas, tinha mais vontade de desistir por saber que teria que protagonizar discursos distantes daquilo que aprendi no Ensino Médio, pregando de maneira religiosa o avanço das Big Techs sob os trabalhadores informais e o armamento das classes e dos trabalhadores brasileiros.

A sala era uma imitação do próprio cenário da Câmara, com assentos divididos para cada espectro político. Haviam reuniões específicas de cada bancada, que elegiam seu principal representante e também discussões sobre o que pautar nas sessões.

Confesso que interpretar o posicionamento do PL (Partido Liberal) não foi uma experiência tranquila, principalmente por ter que procurar discursos da figura política em questão. O improviso e o desespero são elementos fundamentais para usar em contextos assim, quando não se sabe o que fazer com argumentos controversos.

Nessa trajetória percebo que simular também é sobre existir controvérsias e entrar em desacordo com suas interpretações. É uma eterna tentativa de aprendizado que, às vezes, é difícil quando o deputado em questão defende como solução trabalhista medidas totalmente inconsequentes, contudo, estava acompanhado de “outros deputados” que seguiram essa linha de raciocínio até o fim.

Em MUNs, é possível aprender na prática questões pouco visitadas como cidadãos brasileiros. O funcionamento de uma Câmara dos Deputados, como um PL (Projeto de Lei) deve ser escrito, a existência dos Colégios de Líderes para envio das demandas populacionais são exemplos de tantos outros elementos intrínsecos à vida sociopolítica que são proporcionados pelas simulações.

Esse letramento político que o mundo das simulações traz, também me ajudou no conhecimento de novas pautas e perspectivas que, em um contexto de ensino médio e na produção de redações argumentativas, foi fundamental para o meu aprendizado para as futuras provas como vestibulando. Esses eventos para estudantes do ensino médio, às vezes são o primeiro contato dos alunos com pautas internacionais e assuntos fora as aulas escolares, despertando novos repertórios e saberes. Cada simulação geralmente possui uma temática norteadora, que direciona os assuntos que serão debatidos nos dias de evento, como pautas ambientais, humanitárias, securitárias e econômicas.

E no Brasil? Como as Simulações acontecem por aqui?

Em território brasileiro, as simulações da ONU surgiram por volta da década de 90, com estudantes dos cursos de Relações Internacionais importando o modelo desses debates de outros países.

Chegando em Belo Horizonte, um dos primeiros grandes projetos foi o MINIONU, evento criado no ano 2000 por estudantes da PUC Minas e que hoje possui parceria com a própria Organização das Nações Unidas no Brasil. Ao reunir estudantes de todo o Brasil ano após ano na universidade, o evento realizado há 25 anos debate durante longas sessões os elementos fundamentais da política global.

O destaque vem a partir dos mais de 20 comitês de debate e do local onde o MINIONU acontece, fatores que estimulam a maioria dos secundaristas a seguir carreiras acadêmicas e sonhar com o ensino superior.

Além do MINIONU, muitas simulações também são realizadas por escolas da Região Metropolitana de BH. Eventos como a SIC (Simulação Interna do Coleguium), LoyolaMUN, SISA (Simulação do Colégio Santo Antônio) e SISAN (Simulação Intercolegial do Santo Agostinho de Nova Lima) são exemplos de simulações tradicionais e que reúnem anualmente diversos estudantes de toda a Minas Gerais.

E como uma das maiores universidades federais do país, a UFMG não poderia ficar de fora desse cenário. Surge assim o TEMAS – Simulações Temáticas, formado em 2005 por estudantes da Federal e destinado para os universitários de todo o Brasil interessados em debater sobre temáticas relevantes. O TEMAS também é um projeto de extensão da universidade e possui seu reconhecimento como um das simulações mais relevantes do Ensino Superior na região mineira.

Em 2025, o TEMAS comemorou 20 anos de sua existência na Pontifícia Universidade Católica de Minas Gerais, campus Coração Eucarístico, entre os dias 18 a 21 de junho, carregando como principal questão da edição o tema “Memória”, que se desdobrou em debates acerca da preservação desse lema na sociedade contemporânea.

Apesar de ser uma simulação tradicional e recorrente no ensino superior, o TEMAS sofre dificuldades para manter-se rentável e sustentável para os próximos anos. Um deles é o desafio para arranjar um local fixo para o evento, como declara o Secretário Acadêmico, João Pedro Ribeiro:

“O TEMAS só existe se tiver uma casa. No ano passado na Pontifícia Universidade Católica no Campus Praça da Liberdade, neste ano na PUC Campus Coração Eucarístico, que foi muito na presença dos secretários, que mediaram essa articulação. Mas o TEMAS não arrumou nenhum parceiro que fosse além disso”

Da procura por espaços disponíveis para o evento até a logística interna complexa durante o TEMAS, os organizadores devem pensar em todos os detalhes para que a experiência no evento seja plena. Uma simulação ONU precisa pensar nos materiais de uso, mídias, banners, alimentação, brindes e em todos os demais elementos que envolvem os participantes e a dimensão da reunião.

Aliás, alinhar expectativas e engajamento é um dos principais desafios relatados pelo Secretário Acadêmico do TEMAS, João Pedro Ribeiro:

“A maior dificuldade de organizar um evento como o TEMAS é atrair interesse e gerar engajamento. Para as pessoas de fora é cada vez mais difícil engajar… Com certeza daria pra fazer um evento que fosse melhor divulgado, melhor estruturado se tivesse outros parceiros. Não tem nenhum projeto que ajuda o TEMAS a se manter, hoje em dia ele é completamente autofinanciado.”

O projeto do TEMAS também realiza anualmente uma simulação para estudantes do Ensino Médio chamada “miniTEMAS”, com o objetivo de compartilhar esse conhecimento e debates também para o ensino secundarista, aproveitando para arrecadar fundos para o projeto principal.

“Comparar com o TEMAS o miniTEMAS é sempre muito legal, a dificuldade encontrada no primeiro é completamente oposta a do segundo, é muito fácil achar gente e achar parceiros. A gente vende o projeto visando sediar o miniTEMAS em uma faculdade específica, levando os estudantes do Ensino Médio para uma potencial universidade para estudarem, e esses parceiros têm fundamental relevância.” Menciona o secretário.

Pelo fato de algumas escolas entenderem os impactos desses eventos na vida dos seus estudantes, estimulando através de equipes de debates, simulações próprias anualmente ou até pagando as inscrições de alguns alunos para os eventos nacionais, a demanda no ensino médio é maior.

Simulações: são democráticas na teoria e na prática?

No entanto, ainda é perceptível que as simulações não são possibilidades acessíveis em todas as instituições, com diversos alunos sofrendo com dificuldades para participar.

Para compensar os gastos logísticos e a falta de financiamento externo, geralmente essas simulações tornam-se pagas, envolvendo uma “taxa de inscrição” por pessoa e que se reverte em brindes que os inscritos recebem da organização e dos patrocinadores (quando existentes). No entanto, somar os valores de inscrição, os preços de deslocamento até o evento, alimentação nos dias de simulação e o investimento em materiais extras para participar dos debates, resulta em preços que podem chegar em mais de duzentos reais, o que impede muitos estudantes e alunos de aderirem ao movimento das simulações ONU.

Ítalo de Morais, um dos diretores desse projeto, conta sobre sua história e o mundo das simulações:

“Atualmente as simulações são concentradas somente em colégios particulares e para isso existem taxas que os alunos têm que pagar, e que para um aluno de escola particular com uma condição financeira boa, são taxas fáceis, mas para um aluno de escola pública… é muito caro! Então o que mantém a simulação como algo muito afastado da população é esse fator financeiro e a gente precisa de medidas e iniciativas que rompam com isso, que vão em contramão com esse caminho que as simulações vem tomando no Brasil e no mundo.”

Com a proposta de democratizar o mundo das simulações e torná-lo acessível para mais indivíduos, dentro de Belo Horizonte e na região metropolitana, surgem projetos que levam estudantes de redes públicas de ensino para as simulações ONU, a partir de bolsas integrais que arcam com transporte, o valor de inscrição, alimentação e materiais de estudo. Um desses projetos é a Academia MAGIS (@magisacademia), que possui como propósito a democratização do acesso a esses eventos, produzindo também cursos e mentorias para esses estudantes.

“Eu fui criado na periferia, eu nunca tive muita oportunidade, nenhum dos meus amigos tiveram. Surgiu pra mim a oportunidade de ganhar uma bolsa em 2021 na Rede Coleguium, e lá eu conheci o mundo das simulações, e foi algo que mudou minha vida completamente, mudou a minha forma de ver o mundo. Eu sempre fui engajado com política, mas eu nunca tive espaço, nunca tive voz, e as simulações são um ambiente que você pode exprimir e expressar sua opinião, mas além disso, ser ouvido. É você olhar para o próximo e ver que você está sendo reconhecido, entendendo que pessoas podem discordar e concordar do seu ponto de vista. “

Em Belo Horizonte e em todo o Brasil, a maioria das simulações possuem vagas de isenção social, ou seja, isenta do pagamento de valores de inscrição, mecanismo que auxilia a participação e permanência de pessoas de baixa renda no mundo das simulações da ONU.

Com isso, o mundo das simulações vive esse contraste. Ser um evento rico academicamente, com discussões eficientes que transformam vidas, realidades e alteram visões de mundo, mas, ao mesmo tempo, restrito a uma parte da população que não tem condições de acompanhar os gastos de eventos desse porte, gerando desinteresse em projetos que podem acompanhar e mudar a realidade acadêmica de muitos.

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Editoria: Maria Eduarda Collares e Carolina Cerqueira
Revisão: Mayra Barbosa

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No dia 20 de julho deste ano, o museu mineiro encerrou o projeto “PRETAgonistas: Trajetórias mulheristas no samba”, idealizado por estudantes do 6° período de museologia (turma 2022/2) da UFMG, juntamente das curadoras, comunicadora e mestre em educação, Magna Cristina, e a professora associada da Escola de Belas Artes (EBA) da UFMG, Verona Segantini. O tema foi estabelecido devido a falta da visibilidade das mulheres no imaginário geral da população brasileira, quando o assunto é samba.

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Como o samba surgiu

O samba foi uma das formas do povo afro-descendente fazer do Brasil um território familiar com sua ancestralidade. Estando muito conectado aos terreiros, o gênero tem um papel religioso muito forte, por ter sido criado através da Umbanda e do Candomblé, em rodas e quintais de terreiros. Devido ao período colonial, as religiões africanas se adaptaram às influências externas e criaram novas formas de crença (como a Umbanda). As técnicas de rítmica africanas tiveram novas roupagens no cenário brasileiro, criando-se o samba, que carrega a resistência e a identidade da cultura afro viva.

Registros históricos trazem as primeiras manifestações do samba no século XIX, quando toda representação de ritmo feita por descendentes de africanos escravizados em todo o país era catalogada como samba. Em especial, estados como Maranhão, Bahia, São Paulo e Rio de Janeiro. O último estado se tornou referência no samba no século XX, quando introduziu instrumentos e realmente categorizou o que seria o samba como gênero musical, com influência dos ritmos do maxixe, lundu e modinha, vindos da Bahia.

Um dos momentos mais importantes para trazer a união do samba do morro ao asfalto foi a criação das escolas de samba, que era um meio de trazer legitimidade ao movimento, devido o preconceito que se instaurou no samba, sendo um gênero criado e desenvolvido por negros. Enquanto o Rio ainda era a capital do Brasil, as marchinhas de carnaval e discos de samba foram criados, lançando nomes como Donga, Pixinguinha e João da Baiana. Em gênero marcado por homens, Chiquinha Gonzaga é conhecida por ter composto a primeira e mais conhecida marchinha “Ó Abre Alas”.

Belo Horizonte cresceu como cidade juntamente do samba como gênero. Com origem datada do século XX, estudos do Instituto Estadual do Patrimônio Histórico e Artístico de Minas Gerais (IEPHA-MG. apontam que o samba mineiro começou a tomar forma no carnaval, com a criação de suas primeiras escolas de samba, como a belorizontina Pedreira Unida em 1937, e a Turunas do Riachuelo, fundada em Juíz de Fora em 1934. Em termos da indústria fonográfica, Ary Barroso, Ataulfo Alves e Geraldo Pereira são nomes de muito prestígio no berço mineiro, mas que também foram parcialmente esquecidos com o desenvolvimento de novos subgêneros do samba. Tais como a bossa nova, criada por membros de classe média, como Antônio Carlos Jobim que é eternamente lembrado pelo sucesso “Garota de Ipanema”.

Nos anos 60, músicos de bossa nova começaram a resgatar para o grande público esses grandes sambistas a fim de que saíssem do processo de informalidade, gravassem suas composições e trouxessem longevidade a esses trabalhos, de acordo com o portal Samba Carioca. Por conta disso, na década seguinte, o gênero estava bastante presente nas rádios, com seus nomes principais sendo Martinho da Vila, Bezerra da Silva, Beth Carvalho e a mineira Clara Nunes.

O samba como estrutura machista

É importante pontuar que as condições de criação do samba trouxeram o processo de informalidade ao gênero. Pessoas afrodescendentes foram e ainda são brutalmente privadas de usufruir e criar produtos vindos de suas culturas. Com os sambas gravados trazendo concretização histórica, é possível perceber que sim, muitas mulheres fazem parte da história do samba, mas não eram reconhecidas por isso e passaram por muitos percalços para se encaixar em um espaço majoritariamente masculino.

A intérprete Teresa Cristina, conhecida por seus covers de Cartola, em entrevista para o jornal El País Brasil em 2017, afirmou conseguir popularidade através de uma carta de recomendação do cantor e compositor Caetano Veloso, que rendeu destaque à cantora em um texto do jornal The New York Times. A história de início dela é muito semelhante a de outras mulheres no gênero, tendo tido uma ajuda masculina para serem aceitas em um cenário predominantemente masculino e machista. Teresa comentou “Me incomodava, sabe? Eu não gosto de trocar gênero de música. Eu respeito o compositor. Mas eu passei a sentir empatia por aquela mulher. Pô, uma mulher ouvir aquilo... E no final ele ainda fala: “Mas vou calar, pois não pretendo, amor, te magoar”. E magoou a música inteira.” Comenta ela sobre a música “Tive Sim”, parte de seu repertório.

Mulheres sempre foram parte da história do samba, desde sua criação nos terreiros. Porém, sempre foram impedidas de alcançarem qualquer autoridade no gênero. Haviam poucas cantoras que ocupassem o centro do palco; geralmente a maioria era mantida abaixo da penumbra nos cantos, como backing-vocals (infelizmente esse problema, para mulheres negras, também é proeminente em outros gêneros musicais). Mulheres também não ocupavam posições de alto escalão nas decisões das escolas de samba e poucos sambas-enredo eram compostos por elas.

Além disso, muitas das letras ainda têm vieses machistas, venerando o sexo feminino por sua submissão, ou detonando-o por quebrar seus corações e ser traiçoeiro. Martinho da Vila, um dos maiores cantores e compositores vivos do Brasil, tem a música “Você Não Passa de Uma Mulher”, lançada em 1975 e parte da trilha sonora da novela Pecado Capital, produzida pela Rede Globo. Parte da letra é:

“Menina-moça também é mulher (ah, mulher)

Pra ficar comigo tem que ser mulher (tem, mulher)

Fazer meu almoço e também meu café (só mulher)

Não há nada melhor do que uma mulher (tem, mulher?)

Você não passa de uma mulher (ah, mulher)”

Clara Nunes era o único nome feminino que furou a bolha de Minas Gerais no gênero até uns anos atrás. Mas Dona Eliza, Mãe Belinha, Jussara Pretta e Lucinha Bosco são algumas personagens do samba regional que passaram por muitas dificuldades para construir o samba que conhecemos hoje através de sua criatividade, mesmo que ainda com pouquíssimo reconhecimento de seu valor.

As mulheres debaixo dos panos

Devido a tanto, um movimento foi feito entre a Secretaria Municipal de Cultura, Fundação Municipal de Cultura e Universidade Federal de Minas Gerais (UFMG) para que o samba se tornasse patrimônio imaterial da capital, ideia bem sucedida no dia 7 de dezembro do ano passado.

Dona Eliza, pseudônimo artístico de Ana Elisa de Souza, é um dos principais e poucos nomes da Velha Guarda do samba mineiro. Natural de Águas Formosas (MG), começou sua carreira em torno dos 20 anos como compositora e intérprete, e hoje coleciona mais de 700 músicas em seu nome. Apesar de numerosa, sua produção não está registrada em bancos de dados especializados, como o Ecad, órgão privado administrado por sete associações de música do Brasil. Conversei com ela sobre sua história e carreira e ela me contou dos perrengues para conseguir oportunidades de se apresentar.

“Ih, era muito difícil. Mulher na noite ia para casa do Senhor, a gente saía nos clubes para cantar. Naquela época do César Santos, eu e a Ethel Viana, um monte de gente. Lucinha Bosco teve mais facilidade, porque o marido dela era músico. Então, levava ela. A gente teve que batalhar para conseguir vaga, para conseguir lugar, porque era muito restrito. Aí, eu comecei cantando no clube da União Operária, extinto o Clube União Operária, né? Depois eu passei pro sindicato dos bancários. Depois eu fui para o bairro do Elite. A gente até brincava, a gente falava que trabalha muito e ganha pouco, mas se diverte.”

O movimento sambista era sim extremamente informal na época, porém Ary Barroso e Geraldo Pereira têm acreditações no Ecad. Dona Eliza contou que quando procurou lançar um CD, teve muitas dificuldades com órgãos públicos em geral.

“Fizeram só um CDzinho simples. Eu fui lá com isso, então o que eu pude gravar, eu gravei. Fazendo uma gravação mal feita, faltando músicas, faltando instrumento às minhas composições. Inclusive, eu até chorei muito de raiva também, porque esse pessoal pegou dinheiro (público) lá, era para fazer, era para mim fazer um longplay. Fizeram só um CD e ficaram com mais da metade do dinheiro. Eu achava até que nem ia sair porque porque eu gritei com a pessoa, que da época tava por trás disso aí, falei ‘que se você não me levar para fazer essa gravação, eu vou te denunciar.’

Atualmente, Dona Eliza participa de rodas de samba como o “Samba do Arco” e o “Samba Solidário”, e eventos que celebram a Velha Guarda mineira. Ela conseguiu lançar o CD “Diploma da Vida”, contendo 12 faixas inéditas, com evento oficial no Centro Cultural UFMG, em 2017. O conteúdo ainda não está disponibilizado no Spotify e nem em nenhuma plataforma digital, ou registro oficial público ou privado. Sua produção segue na imaterialidade, enquanto ainda trabalha ininterruptamente como letrista e cantora, e se apresenta em cada roda de samba que queira. Como Dona Eliza, existem outras mulheres que, às custas do trabalho de homens, vivem em quase anonimato.

A exposição “PRETAgonistas”

O trocadilho não foi atoa, essas mulheres realmente se desdobraram para conquistarem reconhecimento na época e consagrar seus nomes. “PRETAgonistas” é um compilado expográfico que foi apresentado pelo Museu Mineiro entre os dias 12/06 e 20/07. Os estudantes da turma 2022/2, 13ª turma de museologia da UFMG, tiveram como um dos trabalhos principais do período a criação de um produto museológico.

O projeto contou com abertura da Velha Guarda do Samba de BH, contação de histórias com Magna Oliveira e apresentação do grupo Yiaminas, liderado por Ekedji Kely de Oliveira, com a presença de algumas das “pretagonistas”. A sambista Luana Reis ministrou a dinâmica de nome “Samba Sensorial: Ritmos e Movimentos para todos”, no dia 4 de julho (sexta-feira), voltada ao público feminino maior de 18 anos, com o tema de sensualidade. A Ekedji Kely, além de ser uma das homenageadas no trabalho e estar na abertura, também guiou a atividade “O Corpo no Samba – Musicalidade e Movimento”, que consistiu em uma roda de samba com seu terreiro, Ilê Asé Sòpònnón, no dia 12/07 (sábado).

A ideia de trabalhar com a história de mulheres no samba mineiro veio justamente pela falta de citações delas durante a procura de fontes. Com a curadoria de Magna Oliveira e Verona Segantini, a turma fez as pesquisas, entrevistas, e as principais imagens e vídeos dentro do material exposto.

“O samba foi uma cama, um lugar de respiro, pra eu entender que nem toda casa tocava samba, era um lugar dos pretos. E eu ser chamada para o “PRETAgonistas” a trazer esse olhar de pesquisa, de entendimento, eu fui me identificando, porque eu já conhecia algumas sambistas e tive oportunidade de conhecer outras, como a (Ekedji) Alessandra. Foi um trabalho difícil pros alunos, porque essas mulheres têm bagagem. Fazer disso um compilado, condicionar a vida dessas mulheres em 2, 3 páginas, por tudo que elas fizeram, tudo o que elas passaram como mulheres pretas. (O samba) era um lugar muito masculino.” Nos disse Magna Oliveira, uma das curadoras.

As Sambistas

A exposição homenageou representantes da Velha Guarda do samba mineiro, de terreiro ou de rua. Nomes como Ekedji Alessandra Gomes, Cida Reis, Dona Eliza, Mãe Belinha (Isabel Antônia Coutinho), Ekedji Kely, Margô Barroso (Ednamar Climaco de Araújo), Rosane Pires e Sandra Veneno (Sandra Maria Ignez) foram homenageados por seus papéis como compositoras, intérpretes, e sambistas importantes para a história do samba mineiro. Além disso, a mostra também fez um panorama do gênero e como ele se desdobra em relação a quem cria, samba de roda, samba de terreiro, samba de enredo e outros, apresentando a história do samba mineiro como deveria ter sido há dezenas de anos atrás.

É perceptível a maior facilidade de mulheres se sentirem acolhidas no samba, devido à maior representatividade desde o século XX. Atualmente há o Samba da Meia-Noite, misto, embaixo do viaduto Santa Tereza, presidido por Jefferson Gomes. E a roda totalmente feminina, Samba na Roda da Saia, idealizado pela sambista Rosane Pires Viana. As musicistas se encontram no bairro Lagoinha, em Belo Horizonte. Dona Eliza, conhecida como A Madrinha do Samba mineiro, é uma senhora de 77 anos que ainda se apresenta em rodas de samba na cidade, principalmente com representantes da Velha Guarda, como Lucinha Bosco. A intérprete já até chegou a participar do The Voice Mais de 2022, mas a Globo não deixou sua história tão em evidência, além do básico.

Apesar dos pesares, todas essas e mais várias sambistas importantes do cenário mineiro geralmente ganham o reconhecimento merecido em veículos midiáticos independentes e em meios públicos, como a Prefeitura de Belo Horizonte, a própria UFMG e esta Revista Universitária. É importante que os seus feitos continuem sendo disseminados, para que as contribuições dessas mulheres no samba regional e nacional tenham o devido respeito nas próximas gerações.

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Editoria: Gabriel Barcelos
Revisão: Lívia Andrade

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por Pedro Henrique

“Beleza. Mas agora a gente faz o que com isso?”. Essa é a pergunta que não tem resposta e que nos convida a conhecer o novo trabalho de estúdio do carioca Rubel.

Álbum intitulado com a mesma pergunta foi lançado em 28 de maio de 2025 pela gravadora Dorileo. Em seu quarto disco, o artista de 34 anos busca um novo ritmo, ilustrando temáticas como a melancolia e a busca por um entendimento da realidade. Na faixa “Pergunta ao Tempo”, a produção transforma a experiência de escuta no conforto do sofá de casa, a criação de um espaço de aconchego e questionamentos sobre a vida e a passagem dos anos em uma busca por sentido acompanhada de temáticas de sensibilidade.

Intimismo é a palavra central do trabalho. A partir dele viajamos no universo particular de Rubel, seus medos, anseios e dúvidas.

É nítido que ninguém sabe o que o tempo fará. Rubel, após o lançamento de seu terceiro álbum, o disco duplo “As Palavras Vol 1 e Vol 2”, realizou uma cirurgia de coração em 2023, experiência que segundo o próprio artista foi impactante para a realização do seu novo trabalho. A condição incerta do seu estado de saúde e a vida sob um novo olhar são refletidos nas músicas de forma natural.

“Noite de Réveillon” é a prova de uma realidade ausente de significado e das repletas incertezas. “Sim, todo ano eu ouço, tudo vai mudar. Eu já não caio, vou dormir”, verso final da canção faz refletir sobre hábitos e questionamentos sobre as pessoas e seus pensamentos. Os rituais que fazemos no automático ritos de passagem do ano, a busca por melhorias, o envelhecer, as promessas não cumpridas e as chances que não voltam mais, são questionados pelo cantor.

O álbum expande as temáticas do artista. Mas quem faz esse papel é o violão, companhia íntima do ouvinte, que no contexto musical é quase aquele melhor amigo com quem desabafamos sobre a vida enquanto pensamos no nosso quarto.

Entre relacionamentos acompanhados de arrependimentos, surgem baladas românticas com decepções, assumindo eu-líricos femininos em “Carta de Maria”, faixa que teve nova versão lançada com Marina Sena. A canção mistura a liberdade com introspecção, provocando versos em busca de identidade, trazendo pensamentos sobre maturidade acompanhada de desejo.

O disco diz muito sobre as perdas e reencontros, mas principalmente a busca de uma autenticidade, que parece definir a nova fase do artista.

Rubel foge dos excessos de trabalhos anteriores, dos beats produzidos de funk, das batidas do hip-hop e do batuque do samba de “As Palavras VOL 1 & 2”. A produção dá lugar a uma lírica protagonista e repleta de sensibilidade. Em “Ouro” escutamos um apelo ao cotidiano em mais uma balada romântica, que é evocada com o seu violão, arranjos instrumentais e a potência da finitude.

O toque, a saudade e o instante, tornam-se momentos que permanecem na memória, que apesar das subjetividade e desencontros são ressignificados em melodia e indefinição no projeto de Rubel. Sua voz é a ponte entre o sentimento e o tempo.

A turnê e o show em Belo Horizonte:

Falando em voz, junto do lançamento do álbum, veio o anúncio de uma turnê em todas as capitais do Brasil. Rubel marcou shows em Belo Horizonte nos dias 3 e 4 de outubro no Centro Cultural SESIMINAS. A Revista RU3 esteve no evento e trouxe aqui suas impressões

O show estava previsto para começar às 21 horas e desde as 20 já havia um bom número de pessoas esperando pela abertura do teatro.

O espaço, que não é tão usual para shows na capital mineira, teve sua lotação máxima.

As expectativas para a apresentação eram diversas, divididas entre dúvidas sobre como funcionaria o show, até a presença de participações inéditas, incluindo burburinhos da participação de Marina Sena.

Porém, ao contrário das expectativas, a apresentação foi exclusiva do Rubel, apenas sua voz e violão, sem featse nem mesmo uma banda acompanhada do artista. A montagem do espetáculo acompanhava uma cadeira, uma mesa com um jarro de água, um copo e o próprio cantor. Foram duas horas de bate-papo com música (prefiro citar assim pois a apresentação trazia esse teor intimista, de estarmos acompanhados com ele em seu quarto).

“Eu queria levar as pessoas para o meu quarto para elas fazerem o que elas quisessem… e eu acho que em grande medida eu consegui, a ideia desse show é estender um pouco disso ao palco, para que eu esteja no palco com a mesma liberdade que eu tenho no meu quarto, então convidar vocês para esse lugar também.” disse Rubel durante a apresentação

“Beleza. Mas agora a gente faz o que com isso?” combina com essa proposta de relaxamento e de letras formadas em conversas bobas e discussões de amigos. Ao perguntar para as pessoas sobre a opinião delas sobre o último álbum do Rubel, encontramos respostas condizentes com esse espírito.

Maria Luíza, 18 anos, diz: “Fiquei feliz com esse último álbum dele, minha favorita é ‘Ouro’. Fiquei feliz com essa vibe mais intimista que ele trouxe, O Rubel é muito encantador, suas letras, suas melodias.”

Já Murilo, 27 anos, aborda: “Achei muito interessante esse último álbum porque depois dele lançar ‘As Palavras VOL 1 & 2’, quando ele se jogou nos beats de funk e lá pro rap. E agora ver ele voltando para um violão bem introspectivo me recordou um pouco da época de 2010, seus primeiros discos e trabalhos que tinham essa vibe.”

A troca de luzes entre uma música e outra são detalhes notados pelos fãs, sendo as cores transmissoras de mensagens e significados durante toda a apresentação.

Em “Azul, Bebê”, o palco imediatamente é tomado pelo tom de azul que permanece até o fim da canção, já ao fim do show, na música “Quadro Verde”,a iluminação do teatro é preenchida pelos tons esverdeados. Foi uma cena que emocionou alguns dos espectadores e registrada por muitos ouvintes, o trabalho de iluminação era dinâmico, com diferentes iluminações em torno do palco e ao redor do artista, na canção que tem duração aproximada de 7 minutos.

Esses pequenos detalhes, o trato com o áudio e com as transições naturais entre faixas, simplificaram a experiência e a dotaram de um significado bonito, de fácil conexão entre Rubel e o público.

Conexão que em momentos é incentivada pelo cantor em algumas faixas. Foram constantes os pedidos para a plateia cantar ou o instrumental de uma canção ou a parte de alguns dos feats das faixas. O coral em sintonia no instrumental de “O velho e o Mar” enquanto cantávamos “When you awake inside”, verso da canção, misturado a voz do artista, ou cantando o refrão da sua versão cover da dupla Maiara e Maraisa, “Medo Bobo”, foram instantes que ressignificaram o show para mim e o transformaram em uma experiência colaborativa – um bate-papo entre conhecidos.

Além de suas canções, Rubel também performou “Jorge da Capadócia”, de Jorge Ben durante a abertura, “Chove chuva” e homenagens à Emicida e à dupla ANAVITÓRIA.

Ouvir o álbum ao vivo é melhor que a gravação em estúdio e agrega à proposta intimista, dotando-a de sensorialidade.

Se para o Rubel: “Qualquer coisa vira Ouro com você”, para o ouvinte do show, qualquer música é uma emoção distinta, seja com as experimentações sonoras de “As Palavras VOL 1 & 2” ou com a saudade de um tempo melhor que é mostrada com os:”Vestígios dos quadros que eu fiz” em “Pearl”.

De qualquer forma, se o seu violão é um meio para se conectar com o passado, sua voz é uma chance de saber do futuro, mesmo que ainda com dúvidas sobre o presente, porque existe beleza em não saber agora o que a gente faz com isso.

Editoria: Gabriel Barcelos
Revisão: Gabriel Barcelos

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Foto: Jackson Romanello/ Universo Produção

Entre os dias 23 e 28 de setembro de 2025, Belo Horizonte se transformou em palco e capital simbólica da produção cinematográfica latino-americana com a 19ª edição do CineBH - Mostra Internacional de Cinema de Belo Horizonte, que se consolidou como um dos grandes encontros do cinema contemporâneo, contando com intensa participação do público e presença marcante da indústria audiovisual.

A programação da mostra foi inaugurada com a pré-estreia nacional de “O Agente Secreto”, filme que integra coproduções entre Brasil e Europa e figura entre os destaques recentes de festivais internacionais, além da escolha para representar o Brasil na próxima edição do Oscar. E em Belo Horizonte, o filme de abertura gerou uma corrida: os ingressos foram esgotados em apenas 24 minutos.

A exibição ocorreu no Grande Teatro do Cine Theatro Brasil. No primeiro dia do festival, na última terça-feira (23/09), os ingressos foram distribuídos por ordem de chegada, sujeita à lotação do espaço e o êxito precoce da bilheteria antecipou o tom para o que viria pela frente: uma mostra que mesclaria produções latino-americanas emergentes, sessões especiais, debates e oficinas.

Também na estreia, o festival prestou homenagem ao ator mineiro Carlos Francisco, destacando sua trajetória e presença nas telas em diversas fases de sua carreira, que é marcada pelo protagonismo no cinema mineiro, como em filmes da produtora Filmes de Plástico. A homenagem, ao mesmo tempo simbólica e concreta, reforçou o vínculo da mostra com Minas Gerais, lembrando que Belo Horizonte não é apenas palco, mas também é berço de talentos e desafios cinematográficos.

Foto: Jackson Romanello/ Universo Produção

Um festival de alcance latino

Com 101 obras exibidas ao longo da semana, o CineBH reafirmou seu compromisso de “desvendar a nova cadeia produtiva audiovisual da América Latina”, conectando produções de Minas Gerais, de outros estados brasileiros e de países latino-americanos, além de fomentar o diálogo entre cineastas e o público.

A edição deste ano teve como tema principal: “Horizontes Latinos: Nós Somos o Nosso Futuro?”, que propunha uma reflexão sobre soberania cultural, coproduções e as tensões entre modelos tradicionais e novos formatos de distribuição no cinema latino-americano. Em paralelo, o festival manteve sua vertente de mercado com o Brasil CineMundi – International Coproduction Meeting, fomentando trocas, parcerias e negociações entre realizadores nacionais e estrangeiros.

“Quemadura China” leva o troféu da Mostra Território

Um dos pontos altos da edição ocorreu na cerimônia de encerramento, no domingo, 28 de setembro, no Cine-Theatro Brasil, quando foram anunciados os vencedores da Mostra Território - um espaço para revelações, experimentações estéticas e novas vozes do cinema latino-americano. Segundo o site oficial da mostra, o grande prêmio de Melhor Filme da Território foi concedido a “Quemadura China”, produção uruguaia dirigida por Verónica Perrotta.

O júri justificou a escolha destacando que o filme “ousa encarar de frente a fragilidade, lembrando-nos de que os corpos guardam memória e de que, mesmo na perda, pulsa a ternura”. Também reforçou sua admiração pela “beleza nascida do imperfeito, a ousadia estética e a entrega absoluta de seus intérpretes”, além da forma como o espetáculo entrelaça “o íntimo com o coletivo, o grotesco com o lírico, o teatral com o cinematográfico” em um gesto considerado de “radical originalidade”.

Foto: Leo Lara/ Universo Produção

Outros prêmios da Território:

• Melhor Presença: o júri escolheu o elenco de Chicharras (México), dirigida por Luna Marán, por retratar “atos de resistência dentro do território” e por “reinventar processos criativos e romper com hierarquias individuais” no cinema.

• Destaque à montagem: foi dado a Huaquero (Peru), de Juan Carlos Donoso Gómez, por sua densidade histórica e pela capacidade de “tornar visível o invisível”.

• Prêmio Abraccine (críticos de cinema): Punku (Peru) recebeu o troféu, merecendo elogios pela “refinada arquitetura do (in)consciente”, que dialoga com memórias, sonhos e mitos. Uma menção honrosa também foi conferida a Chicharras, por sua vitalidade comunitária e resiliência simbólica.

Público, debates e impacto

A adesão do público foi um dos indicadores mais fortes do sucesso da mostra, com sessões com lotação completa que se tornaram rotina, reforçando que a cidade estava sedenta por cinema autoral, encontros presenciais e reflexões sobre cultura e memória.

Nos espaços de debate, oficinas e laboratórios (Labs), temas como políticas culturais latino-americanas, financiamento, inclusividade, diversidade e inovação no mercado audiovisual foram constantemente revisitados. O papel do cinema como dispositivo de resistência, transformação social e construção de identidade latino-americana esteve sempre presente.

Além das salas tradicionais, intervenções urbanas, sessões ao ar livre e exibições na Praça da Liberdade tornaram a paisagem da capital um cenário vivo, pulsante e inclusivo.

Foto: Leo Lara/ Universo Produção

Resquícios de uma semana cultural

Ao final do festival, a impressão que ficou era de que Belo Horizonte havia vivido um desses momentos raros de convergência: a capital se transformou em ponto de referência para o cinema latino-americano por seis dias.

Os ecos das sessões esgotadas, dos debates inflamados e das homenagens ao talento local persistem como memória viva e como estímulo para que o cinema siga circulando, colaborando e se reinventando.

Com curadoria forte, estrutura de mercado e abertura ao público, é possível (re)colocar cidades de fora do eixo de produções audiovisuais, a exemplo de São Paulo e Rio de Janeiro como polos culturais de relevância continental. Tomando esses fatores como referências possíveis, espera-se manter viva a ambição de que BH continue sendo arena, palco e capital do cinema.

Na última terça-feira, dia 23 de setembro, a décima nona edição do CineBH lotou o Cine Theatro Brasil, na Avenida Amazonas em seu evento de abertura, contando com a pré-estreia nacional de “O Agente Secreto”.

Em 2025, o festival apresenta uma programação audiovisual internacional com foco em desvendar a nova cadeia produtiva do audiovisual latinoamericano, criando conexões com a produção de Minas Gerais, do Brasil e do Mundo.

Ao todo serão cinco dias de atividades, contando com diversas estreias nacionais de filmes aguardados pelo circuito de premiações e atividades formativas, como oficinas de crítica e roteiro.

A RU3 esteve na abertura do festival e participou da pré estreia de “O Agente Secreto”, novo filme dirigido por Kléber Mendonça Filho e representante brasileiro para uma vaga no Oscar 2026. Estrelado por Wagner Moura, o filme tem estreia nacional marcada para o dia 06/11, mas você já pode conferir nossas impressões do lançamento:

Alice Carvalho | Repórter

Ansiado pelo público belo-horizontino,“O agente secreto”, reafirma um passado que sofre tentativa de apagamento através de um thriller entusiasmante. Com narrativa não linear, transita entre 1977, em plena ditadura, e anos próximos à atualidade, refletindo sobre um Brasil de memórias apagadas e de um povo invalidado. A obra aborda temas como racismo, xenofobia e censura militar, mas limita sua profundidade quase exclusivamente ao último.

O último trabalho de Kleber resgata elementos já presentes em suas obras anteriores e carrega fortemente a identidade do autor, retomando suas filmografias. A cidade do Recife volta a ser cenário central, a memória se torna destaque e o uso da fantasia surge de forma inusitada: uma perna humana encontrada em um tubarão, que ganha vida. Ao mesclar crítica social, comédia, suspense, identidade autoral e fantasia, o filme reafirma a potência e a irrefutável excentricidade do cinema brasileiro.

Carolina Cerqueira | Diretora RU3

O filme é, sem dúvida, tudo o que eu não esperava. Dividido em três partes, as duas primeiras funcionam como contextualização, enquanto a última concentra a ação e as consequências das escolhas anteriores. O grande problema é que esses blocos iniciais se arrastam, oscilando entre a tentativa de abarcar diferentes gêneros sem jamais se comprometer de fato com nenhum deles. Senti que como resposta, tudo era resolvido com alívio cômico que, embora prenda a atenção em certos momentos, também gera uma sensação de tédio e confusão à medida que a narrativa avança.

A obra de Kléber sempre se destacou pelo caráter político e reflexivo, além de propor um cinema descentralizado, distante dos grandes polos que costumamos associar à produção nacional. Este filme não foge à regra. Mais atrativo que seus anteriores em alguns aspectos, funcionam sobretudo pela fotografia, que resgata a atmosfera de um final dos anos 1970 ao mesmo tempo com uma representação alegre e festiva, também caótica e perturbadora. São os detalhes políticos, incorporados a esse cenário, que marcam a diferença e reafirmam a força do diretor.

Davi Reis | Repórter RU3

“O Agente Secreto“ reforça uma visão que sempre tive acerca da filmografia de Kléber Mendonça Filho desde “Retratos Fantasmas” (2023): um cineasta muito competente nos momentos em que decide olhar para si; através de escolhas como filmar os espaços que moldaram sua vida na cidade de Recife e mostrar como eles passaram por transformações ao longo do tempo; e de filmar cenas mais fantasiosas e carregadas de elementos autoconscientes que remetem aos seus filmes de gênero favoritos.

Em contrapartida, quando o diretor pernambucano aborda temas que ultrapassam seu microcosmo - como a luta de classes e o racismo na sociedade brasileira - Kléber ignora a complexidade e as contradições do nosso mundo e opta por criar uma narrativa mais panfletária, que a o invés de ser afrontosa, acaba sendo muito protocolar. Nelas, os personagens verborragicamente expõem todos os problemas sociais - que já estão sugeridos na própria construção da cena - como se fosse uma thread querendo hitar no Twitter, e isso deixa o filme maçante em vários momentos das suas 2 horas e 40min de duração.

Por fim, O Agente Secreto mostra que Kléber é um cineasta mais interessante quando tenta ser uma versão introspectiva de Quentin Tarantino do que quando aspira ser um cineasta ativista como Jean-Luc Godard e Pier Paolo Pasolini.

Gabriel Barcelos | Diretoria RU3

Parece um filme que tenta comportar tudo quanto é formato e gênero cinematográfico numa metamorfose de reverência. Kléber olha para a sétima arte com muita devoção, mas não entrega um trabalho consistente. O filme faz às vezes de thriller, drama, horror, gore, western e documentário, encontrando grandes momentos e grandes afundos.

O agente secreto que é drama e thriller, com uma ambientação de Recife como a cidade da violência, do sexo e do carnaval em uma era onde a ditadura aparece como molde para uma fantasia que nunca dá nome aos seus bois, é fantástico. Se permite desenhar um país fragmentado e afunilado por suas desigualdades a partir de conversas de pistoleiros, uma perna engolida por um tubarão e a reação pública a essa trama estapafúrdia.

Mas, infelizmente, cai no lugar de mastigar sua posição política através de seus núcleos mais documentais, muito mais frios e automáticos que qualquer pulsão dos cinemas de gênero que ele articula em seu miolo. O final afunda da mesma forma que “Ainda Estou Aqui”, mesmo que me agrade mais em seu aceno para “Cinema Paradiso” e outros momentos da carreira de Kléber.

O CineBH 2025 conta com diversas atividades gratuitas nos próximos dias e você pode conferir toda a programação clicando aqui.

Nos próximos dias traremos nossas impressões sobre outras outras exibidas no festival e se você não quiser perder nada, nos siga nas redes sociais e saiba em primeira mão todas as nossas impressões sobre o CineBH.

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“O pior filme brasileiro é melhor que o melhor filme americano”, disse certa vez Lygia Fagundes. Não era apenas uma provocação, mas um reconhecimento do vigor do cinema feito aqui — um cinema que se ergue em improvisos, ousadias e vertigens, e que, justamente por isso, carrega uma vitalidade impossível de ser reduzida às bilheterias comerciais.

É esse mesmo espírito de primor e resistência apontado por Lygia que ocupará Belo Horizonte entre o fim de setembro e o início de novembro. Serão três grandes festivais e mostras que celebram o cinema independente nacional e internacional, cada um com suas particularidades e modos de instigar o olhar do público. Juntos, nos lembram que o cinema não existe apenas para ser visto: ele é também partilha do tempo, fissura no real e reinvenção do olhar coletivo.

Esta matéria é um convite para mergulhar nessa temporada de encontros.

19º CineBH - Mostra Internacional de Cinema de Belo Horizonte

23 a 28 de setembro

Em sua 19ª edição, a CineBH contará com a exibição de mais de 100 filmes e uma proposta ambiciosa: desvendar a nova cadeia produtiva audiovisual da América Latina e, ao mesmo tempo, conectar essa cena ao que é produzido em Minas e no Brasil.

A abertura da mostra será no dia 23/09, no Cine Theatro Brasil Vallourec, com a pré-estreia nacional de Agente Secreto, novo longa de Kleber Mendonça Filho, premiado diretor de Aquarius e Bacurau. O filme já fez sua carreira internacional, percorrendo os principais festivais competitivos mundo afora e acumulando prêmios centrais para a consolidação do seu prestígio. Eleito para representar o Brasil no Oscar 2026, Agente Secreto chega a Belo Horizonte pela mostra CineBH, que nesta edição homenageia o ator Carlos Francisco, um dos rostos mais marcantes do audiovisual brasileiro e mineiro.

As sessões acontecem em espaços do Cine Humberto Mauro, Cine Santa Tereza, Minas Tênis Clube, Belas Artes e até na Praça da Liberdade, exibidos ao ar livre. Todos os ingressos podem ser retirados uma hora antes de cada sessão, diretamente na bilheteria do local.

A 19ª CineBH terá cobertura da revista RU3, então fiquem atentos às nossas redes. Para acompanhar todas as novidades da mostra, acesse cinebh.com.br ou siga o Instagram @universoproducoes.

5º semana do cinema negro em Belo Horizonte
16 a 24 de outubro

A penúltima semana de outubro será dedicada às vozes e imagens de realizadores negros que transformam nosso olhar por meio do cinema. A 5ª Semana de Cinema Negro ocupa o Cine Humberto Mauro, Cine Santa Tereza, centros culturais descentralizados e também o espaço virtual, ampliando o alcance do evento.

A programação reúne filmes contemporâneos de cineastas negros brasileiros, além de homenagens, debates e oficinas — tudo com acesso gratuito. Mais do que exibições, o festival é uma oportunidade de apoiar uma mostra resistente, que tem encontrado dificuldades no seu financiamento e manutenção.

Para acompanhar a seleção de filmes já divulgada e a programação que será anunciada em breve, acesse semanadecinemanegro.com.br ou o Instagram @semana.cinemanegrobh.

27º FestCurtas BH - Festival Internacional de Curtas de Belo Horizonte
31 de outubro a 9 de novembro

Por fim, o FestCurtas estreia sua 27ª edição reafirmando a força dos curtas-metragens como território de invenção estética e liberdade narrativa. O festival acontece no Cine Humberto Mauro, no Palácio das Artes, e também na plataforma online Cine Humberto Mauro/MAIS, com acesso gratuito.

Com quase três décadas de existência, o FestCurtas se consolidou como um dos mais importantes festivais de curtas do Brasil, sendo responsável por revelar nomes que hoje circulam em grandes mostras internacionais.

A seleção deste ano já está definida, mas será divulgada em breve. A expectativa, como sempre, é de uma programação plural e potente, que acolhe trabalhos de diferentes países e perspectivas artísticas.

Para acompanhar mais informações, acesse o Instagram @festcurtasbh.

Editoria: Maria Eduarda Collares
Revisão: Gabriel Barcelos

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Entre pilhas de fitas desgastadas, capas bizarras e um cheiro leve de mofo, Vítor Silva Rios ou Gigito, como é conhecido nas redes sociais, escava relíquias esquecidas do cinema em VHS em seus perfis no Instagram e YouTube, o VHS Break. O criador de conteúdo coleciona, restaura e compartilha as fitas que encontra em sebos ou lojas antigas, com a mesma devoção de quem cuida de um cemitério, mas um cemitério do terror analógico!

Revivendo os mortos

Gigito (36), nasceu em Conceição do Coité, mas mora em Salvador há mais anos do que consegue se lembrar. Apesar da paixão pelas coleções que divulga nas redes sociais, ao mesmo tempo ele também é músico. Formado em Composição e Regência pela Universidade Federal da Bahia (UFBA), ele toca banjo, dá aulas e recentemente até saiu em turnê no estado de São Paulo.

Sua paixão pelo VHS é antiga, mas foi no meio da pandemia de Covid-19 que passou a pesquisar até encontrar e comprar o primeiro vídeo cassete, dispositivo usado para assistir o conteúdo das fitas retangulares. O Vídeo Home System, ou VHS para os íntimos, é um tipo de fita magnética usada para gravar e reproduzir vídeos ou filmes. Consiste basicamente em duas pequenas bobinas de fita magnética dentro de um cartucho, que são reproduzidas em equipamentos como o videocassete.

Popular nos anos 80, 90 e até início dos anos 2000, por revolucionar o consumo de vídeo, o VHS permitiu que as pessoas assistissem os conteúdos em casa. Isso abriu caminho para o aluguel e a compra de filmes em lojas, além de facilitar a produção caseira. E são essas memórias nostálgicas, do pequeno “ritual”, de ir em uma loja, pedir indicação e apreciar a obra, que influenciou o colecionar a retomar o velho interesse: “Eu vivi a época das locadoras, o VHS é um formato de mídia que se distancia um pouco dos outros que restaram nos dias de hoje. Eu tenho a memória da minha mãe trazendo os filmes da Disney, quando eu era criança, de ir nas locadoras, de ficar na frente da TV vendo os desenhos.”

Ele começou aos poucos, comprando 3 ou 4 fitas e atualmente já perdeu as contas de quantas possui em seu quarto. Lembra que a última vez que contou, havia cerca de 500, mas que acredita que o número deve ultrapassar das 700.“E desde que comecei, eu descobri muito filme legal, muito do meu amor pelo cinema, veio através do VHS. Eu acho que eu guardo uma conexão muito mais forte por isso”, complementa.

E esse amor pelos filmes é bem eclético. Entre muitos clássicos, como a trilogia “O Poderoso Chefão”, a filmes mais independentes e fora do circuito, como “O Rato Humano”, Gigito também coleciona registros cotidianos, como festas infantis, jogos de futebol, celebrações de famílias — e, na maioria do tempo, de pessoas que ele não conhece —, além de gravações de televisão, como programas e desenhos que já não existem mais.

Além de colecionar, Gigito realiza um trabalho de resgatar as chamadas “lost media”, conteúdos que se tornaram inacessíveis, perdidos ou destruídos ao longo do tempo, que o colecionador digitaliza, o que acaba revelando histórias íntimas. Muitas vezes, ele recebe fitas enviadas por pessoas que desejam preservar lembranças únicas de familiares. “É uma forma de preservação da memória, não só das produções cinematográficas, da memória coletiva, mas também de uma memória individual”, conta.

“Tem gente que me manda dizendo: ‘Esse é o casamento dos meus pais’ ou ‘Essa fita é a única lembrança que tenho do meu pai vivo’. Teve família que chorou ao ver o pai falando e se mexendo. Isso é muito forte, porque não é só uma foto parada, é a vida em movimento” complementa.

Para manter esse acervo vivo, Gigito se apoia em uma rede ativa de colecionadores. Embora pequeno, esse circuito se movimenta diariamente em grupos de WhatsApp e Facebook, onde trocam informações, dúvidas e, claro, fitas . Ele ainda garimpa em sebos, feiras e até locadoras que resistem ao tempo.

Trocar o vivo pelo morto

Com a popularização dos serviços de streaming, a ideia de ter um filme sempre disponível a um clique parece ter se tornado regra. Mas, para ele, essa praticidade esconde um problema: a fragilidade do acesso: “Você assiste um filme no streaming, e a qualquer momento a empresa pode tirar aquele título, e aí para onde vai esse filme?”

“Essa relação com a preservação é o que o faz valorizar a mídia física. Ter VHS, DVD ou Blu-ray é lutar contra o monopólio das empresas que controlam aquilo via digital. Quando você tem a fita, aquilo é seu. É um registro”, defende.

Mas a defesa do VHS não se apoia apenas na sobrevivência das obras. Existe também o componente sensorial e afetivo, impossível de ser replicado na tela de um dispositivo. “Eu gosto de sentar, deixar só o abajur, a luz baixa e aproveitar a sessão... Para mim é uma maravilha assistir um filme assim. Até o sonzinho mais ruidoso da TV de tubo me faz feliz. Isso me estimula a querer cada vez mais assistir filmes em VHS.”

Victor já havia sentido o impacto da televisão como mediadora da experiência cinematográfica. Para ele, assistir ao mesmo título no VHS e na TV era quase como ver dois produtos diferentes. “É muito, pode ser piração de quem coleciona, mas é muito diferente você assistir um “Independence Day” na fita lançada pela locadora, que é só o filme, e assistir o mesmo título passando na Globo, com plim plim, dublagem, comerciais e até a logozinha avisando ‘parte dois’. Sem falar nos jornais gravados com as notícias da época. Acho uma loucura.” complementa.

Essas memórias, que marcaram sua adolescência nos anos 1990, hoje se renovam em outro contexto, o do interesse de jovens que nunca tiveram contato com as fitas. “O que me motiva hoje a criar conteúdo é ver uma molecada que nunca pegou uma fita na vida se encantar com o VHS. É como se eles estivessem descobrindo um tesouro esquecido.”

A maldição do gênero

Apesar de colecionar um pouco de tudo, o foco da coleção de Gigito são as produções “trash”, filmes de terror com baixa qualidade técnica, geralmente feitos com orçamentos reduzidos, e que podem apresentar elementos como atuações ruins, efeitos especiais toscos e roteiros pouco elaborados. E é justamente no tosco, no exagerado e bizarro, que conquista o colecionador.

Essa predileção não é por acaso, dentro do colecionismo de VHS, o terror é o gênero mais concorrido. Muitos desses títulos nunca chegaram a ganhar versões em DVD ou Blu-ray, já que distribuidoras não viam retorno comercial em relançar obras de baixo orçamento, assim, a única forma de ver esses filmes é em formato físico.

Há também uma afinidade estética entre o gênero e o próprio suporte. Para Gigito, a granulação, os ruídos e até as falhas da fita contribuem para criar a atmosfera perfeita: “O terror tem muito a ver com a imagem do VHS, que é meio falha, com textura, às vezes dá um erro e a imagem pula. Eu acho isso perfeito. A sujeira da fita combina com o clima desses filmes malucos. Para mim, parece que o VHS foi feito para o terror.” No fim, o terror em VHS sintetiza duas dimensões da coleção: o resgate histórico de obras esquecidas e a vivência afetiva que só o formato permite.

O gosto pelo gênero é tanto, que Gigito passou a realizar suas próprias produções caseiras. Usando câmeras portáteis antigas, ele já possui três filmes, “O Horror do Bebezão”, “O Balanço da Morte", “O ET de Itaperopemba”, disponíveis em seu canal do Youtube e também em formato físico.

Em outra dimensão

Se a coleção física é o coração do trabalho de Gigito, é nas redes sociais, especificamente no Instagram, que o VHS Break ganhou vida digital. E o nome pode até soar estrangeiro, mas nasceu de forma quase improvisada. À época, Victor acreditava que o nicho do VHS tinha mais força no exterior e, por isso, optou por um título em inglês. Com o tempo, o projeto se expandiu para o YouTube, onde encontrou seu público mais fiel. Hoje, o canal soma mais de 18 mil inscritos e segue crescendo de forma constante. Mais importante do que os números, é a comunidade que se formou em torno do conteúdo. “Mais do que ter 1 milhão de inscritos, eu gosto de ter uma galera fiel, que está sempre assistindo e acompanhando.” reitera.

A comunidade que se formou em torno do VHS Break é diversa, indo de colecionadores veteranos a curiosos que nunca tiveram um videocassete em casa. Nos comentários, não é raro encontrar relatos de pessoas que lembram de alugar fitas em locadoras de bairro ou de gravar programas da TV aberta ,experiências que hoje, resgatadas pelo projeto, ganham novos significados: “Tem gente que começou a colecionar depois de assistir aos meus vídeos. Primeiro vê um, depois outro, e quando percebe já está comprando suas primeiras fitas”, conta Gigito. No Instagram, ele recebe diariamente mensagens de seguidores mostrando o início de suas coleções ou pedindo ajuda com problemas técnicos em videocassetes.

Para muitos jovens, o contato com o VHS é também uma experiência educativa: entender que não se trata apenas de uma fita, mas de um aparato completo, o videocassete, a TV de tubo, até os DVDs, tudo isso faz parte da descoberta. Para ele, essa curiosidade faz parte de um fenômeno maior de resgate nostálgico na cultura pop. “É muito parecido com o que acontece com câmeras antigas, o Super 8, e outros formatos que voltaram a despertar interesse. O VHS, para essa galera, é uma forma de explorar um universo que eles não conheceram na infância, mas que agora pode ser vivido através do canal.” reitera.

Apesar do entusiasmo de jovens colecionadores, o VHS exige cuidado e paciência, por ser um formato totalmente analógico, diferente de DVDs e mídias digitais, o equipamento é mais antigo e suscetível a falhas. “Você compra um videocassete e, daqui a quatro meses, pode dar problema. Já aconteceu comigo. Tem coisas que eu sei identificar, mas não sei consertar, e encontrar técnicos dispostos é quase impossível”, explica.

Mas essa fragilidade não diminui o interesse pelo formato. Para ele, o desafio faz parte da experiência:

“O VHS exige mais dedicação, é mais nítido na exigência do que o DVD. Mas ainda assim, rola o interesse de muita gente. É parecido com o que acontece com discos de vinil, que voltaram a estar em alta: a experiência analógica tem seu valor.”

O fim dos créditos, o começo de uma paixão

Quando o assunto é indicação, Gigito não hesita, para ele o filme “Cinderela Baiana”, estrelado por Carla Perez durante o auge de sua carreira, é essencial. “Esse eu não preciso nem pensar. É indispensável na carreira de qualquer cineasta e, na minha opinião, todo mundo deveria assistir”, afirma. Para ele, a “salvação do cinema nacional” mistura humor, exagero e cultura pop de forma única, e acabou se tornando quase um meme dentro do canal, já que sempre surge em respostas a perguntas sobre o “melhor filme já feito”.

Mas a relevância do filme vai além da nostalgia, já que o filme nunca foi lançado em DVD ou Blu-ray, existindo apenas no formato VHS. “Se não fosse pelo VHS, ele simplesmente não existiria mais. É mais uma prova de como esse formato preserva obras que de outra forma seriam esquecidas. No dia que eu digitalizar e jogar na internet, pronto, outra pessoa vai copiar e o filme estará salvo”, finaliza.

Editoria: Júlia Rhaine
Revisão: Gabriel Barcelos

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Danças coreografadas, refrões chicletes, e videoclipes com grandes produções. Essa foi a visão que Amanda Amorim teve aos 13 anos, quando entrou em contato pela primeira vez com a indústria do K-pop através de um videoclipe visto com suas amigas durante o intervalo da escola.

Para ela, a primeira impressão foi marcante. O contato com a figura de artistas dançando sincronizadamente, enquanto cantavam em meio a cenários elaborados, gerou curiosidade e fascínio. Amanda conta que o videoclipe era muito diferente do que ela já tinha visto até aquele momento. “No início eu tinha muito preconceito. Porque todas as minhas amigas ouviam e eu não entendia a graça e me sentia excluída. Até eu ver um videoclipe pela primeira vez e ser amor à primeira vista”.

Hoje, aos 21 anos, Amanda segue tendo o K-pop como parte de sua rotina. O gênero musical que se consolidou no mundo por meio de grupos como o BTS, BLACKPINK, Twice e recentemente KATSEYE, ocupa um lugar de destaque na vida dela e de diversos outros fãs. Afinal, o sucesso dos artistas desse gênero é um fato conhecido e possível graças à existência e ação de fandoms — grupos organizados de fãs que não se limitam a apenas gostar de seus artistas.

O K-pop, ao longo da última década, teve sua ascensão como um novo gênero musical global. Com sua própria indústria, seus artistas vêm alcançando constantemente o topo de diversos rankings de sucesso do mercado musical. Segundo os dados divulgados pela Billboard Brasil, ao longo do ano de 2024 o gênero apresentou um aumento de 20% em sua busca e consumo no Brasil, já a nível global, o aumento de buscas na plataforma foi de 9%.

Os artistas do K-Pop são fenômenos da música global que tem sua construção visando o sucesso comercial e o lucro das empresas pelas quais são agenciados. Seus treinamentos começam ainda na adolescência, quando selecionados por meio de audições em grande escala. Uma vez escolhidos, esses jovens passam por anos de preparação para posteriormente estrearem publicamente como Idols. O status de Idols é tão próprio que na indústria musical coreana é comum a realização de reality shows de competição, usados para a seleção desses novos artistas e formação de grupos musicais inéditos, um formato que já é bem conhecido no ocidente, em programas como Ídolos, The X Factor, e The Voice, onde grandes nomes da indústria musical conquistaram a fama. Alguns exemplos de sucesso são os grupos Rouge, One Direction, Fifth Harmony e, mais recentemente, o grupo global KATSEYE, que atualmente possui mais de 900 milhões de streams no Spotify.

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KATSEYE: O INÍCIO DO SONHO

No decorrer do reality show Dream Academy, realizado pela empresa sul-coreana Hybe (gravadora e agência de talentos de fenômenos como BTS), foram reunidas 20 garotas de diferentes nacionalidades, todas em busca de um sonho: se tornar uma artista globalmente famosa. A competição foi realizada por meio de provas de canto, dança e performance. Com a final do programa, seis meninas assumiram seus postos como membros do novo grupo chamado KATSEYE.

As integrantes da formação final do grupo são: Daniela (EUA, de ascendência venezuelana e cubana), Sophia (Filipinas), Manon (Suíça, de ascendência italiana e ganense), Megan (Havaí, de ascendência sueco e chinesa), Yoonchae (Coreia do Sul) e Lara (EUA, de ascendência indiana). Desde sua estreia em junho de 2024, o grupo vem acumulando hits, como a música “Touch” que atualmente reúne mais de 380 milhões de streams no Spotify, além de outros marcos logo de início, como o protagonismo em grandes campanhas da Gap e Monster High, a apresentação de destaque no Lollapalooza Chicago e a indicação ao VMA 2025 na categoria Melhor Grupo.

Em seu lançamento mais recente, o grupo consolidou sua carreira escapando do rótulo de “One-hit wonder”. O EP “BEAUTIFUL CHAOS” veio ao mundo em 27 de julho, carregando em sua composição músicas que provaram que o sucesso do grupo está somente começando, se depender de sua comunidade de admiradores.

Esse é o caso da faixa intitulada “Gnarly”. A música teve sua estreia como um pré-single promocional no dia 30 de abril deste ano, conquistando imediatamente um lugar de destaque entre as músicas mais reproduzidas nos vídeos do TikTok. A música acumula cerca de 165 mil streams no Spotify, tornando o single um sucesso que conquistou o público com suas batidas fortes e seu conceito maduro que contrasta diretamente com a estética suave apresentada pelo grupo em seu lançamento anterior.

Outras faixas dignas de destaque do EP são “Gabriela” e “Gabemboy”, que juntas acumulam mais de 140 mil streamings. O segredo para tamanho sucesso e desempenho comercial? O engajamento dos fãs do grupo nas redes sociais e nos streamings de música, mais conhecidos como os EYEKONS do KATSEYE.

O PODER DA COMUNIDADE

Não é de hoje que grupos de fãs buscam estrategicamente beneficiar o desempenho de seus artistas favoritos em meio às paradas musicais e mídias sociais. Natália Dias (28), doutoranda pela Universidade Federal de Minas Gerais (UFMG) e pesquisadora do grupo R-EST / UFMG, afirma que esses fandoms assumem um papel ativo na construção do sucesso midiático e comercial desses artistas.

Ao estudar o impacto que esses fandoms geram na indústria musical por meio do seu conhecimento e ação sobre os algoritmos e dados presentes nas plataformas digitais, Natália explica a organização e as características para além da música:

“Existem alguns segmentos de fãs que não só entendem como os seus dados são coletados e analisados por plataformas de mídia social e streaming, mas também desenvolvem estratégias individuais e coletivas para intervir nesses sistemas, buscando influenciar métricas, rankings e a visibilidade de seus artistas favoritos”.

Em casos como o do grupo KATSEYE, a ação dos fãs é ainda mais presente. O formato do reality show no qual o grupo foi formado permitiu que o público acompanhasse e participasse da evolução das participantes ao longo do programa. Para Natália, nesses casos os fandoms se formam anteriormente a sua estreia, permitindo que essas artistas alcancem notoriedade antes mesmo do início de suas carreiras.

“Esses realitys claramente são uma importante estratégia comercial para essas empresas, principalmente em um meio saturado como o K-pop. Nesse processo acabamos conhecendo muitos talentos. E é interessante fazer parte de uma comunidade de fãs em formação, vivendo a experiência de conhecer o grupo episódio por episódio”.

Artistas em suas rotinas de trabalho se fazem presentes em shows, programas de TV, premiações musicais, e em encontros com fãs. Esses momentos de proximidade são essenciais para a construção e ampliação da relação entre os artistas e seu público.

O aspecto mais destacável do público que compõe os fandoms é a sua fidelidade e engajamento em todas as atividades de seus artistas. Frequentar shows, votar em premiações, comprar produtos, mídias físicas e digitais de lançamentos musicais, organizar encontros de fãs e fazer com que as comunidades estejam presentes nas redes sociais são algumas das muitas formas que esses fandoms adotam para mostrar que são fãs engajados de seus artistas e que, se depender deles, eles nunca vão sair do topo da fama.

No caso do KATSEYE, seus sucessos musicais foram fortemente impulsionados pela ação dos EYEKONS nas redes sociais. Os vídeos de dança, atuação, canto e memes criados por fãs semearam o ambiente ideal para que a obra do grupo alçasse novos voos e alcançasse novos públicos.

Amanda, já imersa a cultura de fãs, se interessou pelo grupo graças a um vídeo em seu TikTok. Ela conta que não acompanhou o reality show, mas que chegou a ver vídeos em suas redes que mostravam trechos do programa. Com o lançamento da faixa "Gnarly" , o grupo voltou para seu radar e ganhou sua afeição. “Fazia tempo que eu não ouvia falar do grupo, até que eu me deparei com um vídeo no meu TikTok, era um vídeo de umas meninas recitando Gnarly como se fosse uma poesia, eu achei aquilo estranho, e acabou que pesquisei sobre a música e depois virei fã do grupo.”

A influência desses grupos de fãs ultrapassa o meio musical, se estendendo até questões sociais e políticas. Ao longo dos últimos anos ocorreu um aumento no número de ações publicamente executadas por fandoms. Essas mobilizações têm caráter organizado e estratégico, visando a conquista de objetivos, protestos e apoio a movimentos externos ao meio musical. Um caso que ganhou notoriedade ocorreu em 2020, quando as ARMY, fandom do grupo BTS, se mobilizaram ativamente por meio das redes sociais para arrecadar e doar 1 milhão de dólares para o movimento Black Lives Matter.

A existência de fandoms não se limita à ideia de apenas um grupo de fãs que adoram mais que a média um determinado artista. Hoje, noções de comunidade e rede se fazem presentes, os tornando espaços de afeto, consciência, luta por direitos e de posicionamentos políticos. Dessa forma o poder de grupos abrange o sucesso de seus artistas e sua própria existência enquanto fã.

Editoria: Maria Eduarda Collares
Revisão: Gabriel Barcelos

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A capital dos bares é o lar de uma cena pulsante que se estrutura em torno de casas de festas, bares alternativos e palcos independentes. Nos últimos anos, BH tem se firmado como um território fértil para a música autoral, com uma diversidade de artistas que transitam entre o experimental, o alternativo e o popular. Clara Bicho, Ed Nasque e a banda Escadacima – JP, Nina, Thalia, João Viola e Xico – compartilham o desejo de transformar em música aquilo que atravessa suas vivências, expressando, cada um à sua maneira, suas experiências e individualidades. Esses três artistas representam a busca por manter viva a produção cultural, procurando espaços e ouvidos que valorizem a música autoral. Mas como se dá a relação desses artistas entre si e com a cidade?

Clara Bicho

Em 1977, no Rio de Janeiro, Caetano Veloso lançava o álbum Bicho, em que explorava as coisas simples, sensoriais e intuitivas da vida. Cerca de 40 anos e 441 quilômetros depois, em Belo Horizonte, Clara Campos, aos 15 anos, decide dar forma ao desejo de expor seus desenhos e pinturas no Instagram. Com a intenção de manter o foco na arte, sem nome, gênero, ou pessoa, nomeou seu perfil: @bicho1977. “Bicho” sempre esteve ali, representando uma arte “engraçadinha e não tão séria”. E foi ao seguir esse instinto que nasceu Clara Bicho.

Nessa época, a versão cantora de Bicho já existia enjaulada em seu quarto. Foi quando ela e seu irmão gêmeo, Gabriel, conheceram Vitor Brauer, da banda Lupe de Lupe, criador da Geração Perdida de Minas Gerais – um coletivo de músicos que se apoiam como podem, nem que seja só aparecendo nos shows uns dos outros. Gabriel mandou algumas demos que Brauer topou produzir, acolhendo-o no coletivo. Foi ele quem incentivou Clara a seguir os passos do irmão e gravar suas próprias músicas: “fez a diferença na minha vida”, contou a artista.

No entanto, o impulso definitivo para começar a gravar partiu dela mesma. Após um período difícil, entre 2022 e 2023, marcado por um relacionamento abusivo e problemas de saúde física e mental, Clara decidiu transformar a música em terapia. “Vou fazer minhas músicas, do meu jeito, e focar nisso porque é o que vai me fazer bem". A partir daí, Clara passou a musicar os elementos simples do cotidiano em contraste com a complexidade de suas emoções.

Além de musicista e artista visual, Clara é jornalista formada pela UFMG – e usa tudo isso na própria carreira musical: cria as artes dos lançamentos, cuida da assessoria de imprensa e diz que o jornalismo trouxe mais objetividade às letras.

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Por falta de grana, assumiu total autonomia, o que considera difícil, mas interessante – e que, para ela, define uma artista independente. Quase todo o seu EP foi feito assim: em casa, no computador, com ajuda do irmão e de amigos para inserir instrumentos que ainda não toca. Só uma faixa, a parceria com Sophia Chablau, foi gravada em estúdio. Apesar de estar cercada por amigos músicos, ela se incomoda com o termo “cena autoral” em BH: “Eu não acho muito que existe uma cena em Belo Horizonte. A minha percepção pessoal é assim, cada um no seu quadrado, cada um por si”.

Seu primeiro show foi a convite do projeto Tranquilo BH, que busca valorizar os artistas da cidade em apresentações acessíveis e intimistas. Clara teve duas experiências positivas no projeto, principalmente no espaço Autêntica. Em outras casas, no entanto, viveu situações em que os artistas foram negligenciados, o que, para ela, ajuda a explicar a diferença de reconhecimento entre os espaços:

“Acho que esse tipo de coisa explica por que, por exemplo, a Autêntica continua aí também. E outras casas vão ficando, tipo, meio sucateadas, assim, porque ninguém tá querendo tocar lá.”

Ed Nasque

A história de Ed Nasque com a música poderia ter sido apenas mais uma paixão adolescente que se perderia com o tempo, mas não foi. Natural de Belo Horizonte, Ed começou a tocar na adolescência, entre violões levados para a escola e bandas de amigos do bairro. Por muito tempo, a música foi um hobby, uma válvula de escape do dia a dia de trabalho no supermercado, ou na barbearia. Em 2016, cansado de empregos que não o preenchiam, fez uma promessa ousada: “A partir de hoje vou fazer só o que me faz bem”.

O lazer virou profissão. Em 2017, ingressou na Universidade Federal de Ouro Preto para estudar licenciatura em música e, desde então, vive integralmente da sua arte. Entre dar aulas de violão e ukulele, tocar em bares e produzir, encontrou seu espaço. Em 2021, lançou seu primeiro disco autoral, gravado durante a pandemia. Viola, sanfona, flautas e violão acústico compõem a atmosfera de um trabalho que carrega memórias familiares e afetivas.

Dentre as faixas, "Sô Pedro Pescador" ocupa lugar especial. A música nasceu como homenagem ao pai, Pedro, que enfrentou um coma induzido por complicações da Covid-19. Ed compôs a canção como forma de aliviar a dor daquele momento, contando a história de um pescador em busca de águas tranquilas. "A viagem que eu falo ali era esse momento que ele estava entubado. Quando ele voltou, no aniversário seguinte, dei essa música de presente pra ele", relembra.

Parte significativa de seus trabalhos são feitas em parceria com outros artistas, desde compositores até outros cantores. "A música é muito solitária. Compartilhar esse processo enriquece demais", afirma. Esse movimento colaborativo, no entanto, esbarra na fragmentação da cena musical de Belo Horizonte. Para o artista, falta uma verdadeira cena autoral coesa na cidade. "Existem bolhas: a cena do samba, a do forró, a do rock… Mas elas não conversam", observa. Acredita que, se os artistas dialogassem mais, a cena seria mais democrática e potente.

Mesmo assim, Ed segue motivado pela possibilidade de eternizar histórias. "Mesmo que pouca gente ouça hoje, quando você grava uma música, ela fica. Daqui a pouco a gente não está mais aqui, mas a obra permanece." No segundo semestre deste ano, ele dará início à produção de seu segundo disco, dessa vez, com o apoio do governo

"Fazer arte tem que ser antes pelo prazer de criar. Se vier reconhecimento, que bom. Mas o importante é o que a gente deixa. O resto é consequência."

Escadacima

Quando a videochamada foi aceita, Xico apareceu na rua, vindo direto da aula. Nina estava deitada, Thalia manteve a câmera desligada, enquanto JP e João Viola surgiram sentados, com a expressão tranquila de quem já havia feito muitas entrevistas. Nossa conversa com o Escadacima já disse muito sobre quem eles são: uma banda formada por amigos, acostumada com a espontaneidade e improviso da vida real. A atmosfera era de leveza e desordem, com cumprimentos e brincadeiras toda vez que um participante entrava na chamada.

Formada por João Pedro (vocal), Nina de Masi (bateria), Thalia Vargas (baixo), João Viola e Xico Turrer (guitarras), a banda expressa o desejo de criar músicas autênticas e trazer para os palcos sua própria identidade, refletindo a visão de sua geração sobre o novo rock alternativo brasileiro. As composições geralmente nascem com Thalia ou João Viola e, ao chegarem aos demais, ganham a identidade coletiva da banda:

“Quando eles escrevem uma música e mandam para a gente, a partir do momento que a gente começa a trabalhar nelas, eu sinto muito que essa música [...] para de ter a cara da pessoa que escreveu [e começa a ter a cara da banda]”, diz Nina.

A Escadacima não nasceu autoral — virou. Sua estreia foi no show de talentos do Sebrae, onde Nina estudava, e logo depois, foram chamados para tocar na Major. Como muitas bandas independentes, começaram com covers, apostando em repertórios conhecidos de nomes como Lagum e Skank. Aos poucos passaram a incluir composições próprias nas setlists, até que o autoral virou o centro da apresentação. A virada veio quando decidiram tocar o que queriam dizer, não o que o público queria ouvir. “Foi ali que a gente percebeu que estava indo no caminho certo”, lembram.

Para eles, ao contrário dos outros dois artistas dessa matéria, existe sim uma cena autoral em Belo Horizonte. Ao longo dos três anos de trajetória, a banda se aproximou desse circuito, especialmente após entrar em contato com iniciativas como o Estúdio Central, espaço independente que reúne músicos e produtores em torno da criação artística. Ali, perceberam que a cidade pulsa música de forma muito própria — ela é viva, diversa e cheia de potencial. No entanto, essa cena ainda enfrenta obstáculos. Apesar da força criativa de Belo Horizonte, faltam estrutura e incentivo para a realização dessa produção. A vida cultural da cidade, dizem eles , “respira por aparelhos” — há poucos espaços realmente receptivos à música autoral, e muitos dos lugares priorizam covers comerciais, buscando retorno financeiro imediato.

Iniciativas como o Estúdio Central surgem como respiros necessários, mas ainda são exceções. Para a Escadacima, o desafio tem sido justamente esse: criar e manter espaços de dentro para fora, fazendo a cena acontecer mesmo sem que ela esteja, de fato, pronta para recebê-los.

Existe cena?

Talvez a pergunta não seja se existe uma cena em Belo Horizonte, mas como a música independente nasce, cresce, e luta por sobrevivência. As histórias de Clara, Ed e Escadacima mostram que iniciativas dispersas se interligam em colaborações, espaços e o desejo de ocupar a cidade com a arte. Em meio a uma cultura dominante que prioriza o comercial e impõe dificuldades estruturais a quem foge desse padrão, a visão autoral de Belo Horizonte se sustenta pela insistência de quem cria — tocando entre amigos, montando estúdio em casa, achando palco onde der — e por iniciativas coletivas que seguem abrindo frestas para que a arte continue passando.

Editoria: Maria Eduarda Collares
Revisão: Gabriel Barcelos

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Fora das fashion weeks, das grandes marcas e sem os milhões de reais para investimento, microempresários de Minas Gerais estão contornando obstáculos para se firmar no mercado de moda e estabelecer suas marcas. Como uma forma de driblar esses empecilhos e valorizar as marcas independentes, novos espaços foram surgindo em Belo Horizonte. A Feira Lab é um exemplo disso, sendo um dos principais encontros de moda autoral e economia criativa na cidade. Com entrada gratuita e ambiente aberto a todas as idades, o evento celebra o consumo consciente, a inovação urbana e o fortalecimento da cena local. Afinal, são mais de 20 expositores, entre brechós, marcas independentes, artistas visuais, tatuadores, criadores de acessórios e food trucks.

Criada em maio de 2025, a feira rapidamente se firmou como um fenômeno da cena independente de BH. Seu diferencial? Uma curadoria que privilegia a sustentabilidade e que em poucas edições o evento vem envolvendo o público em experiências autênticas e fortalecendo a economia criativa da capital mineira.

“Nós fortalecemos a cena criativa criando a oportunidade de pequenos empreendedores poderem mostrar o seu trabalho para mais pessoas e conquistar um público que talvez ainda não tinha tido acesso” relata Laura Ottoni, organizadora da Feira Lab e dona das marcas Kodara e Asari.

O evento, que acontece na casa noturna Lab, conhecida pela programação variada com diferentes estilos de shows, vai além das tradicionais bancas de venda: há rodadas de cerveja, comida de rua, jogos descontraídos e sets de DJs, tudo em um ambiente acolhedor e cheio de brasilidade, características que atraíram mais de 150 pessoas nas edições anteriores da Feira. “Esperamos superar a quantidade de pessoas a irem no evento vivenciar isso tudo com a gente”, conta Laura.

A moda independente em BH

Quando falamos de moda independente, dizemos respeito a marcas e itens de vestuário que são desenvolvidos e geridos de maneira autossuficiente, geralmente por estilistas ou empresas menores, priorizando autenticidade, sustentabilidade e individualidade. Essas marcas almejam se destacar da fabricação em larga escala e das modas convencionais, apreciando a singularidade de cada item e a relação com o cliente. Beatriz (27), embaixadora da feira, expõe a relação do evento com essa noção:

“A ideia que fez a gente levantar esse rolê e ter vontade de estar aqui junto, participar, é fortalecer o consumo de moda sustentável e peças únicas que vários artistas de Belo Horizonte produzem.”

Não há um número preciso e acessível referente ao total de marcas independentes em Belo Horizonte. Contudo, a cidade conta com mais de 40 mil CNPJ’s ativos e um faturamento anual superior a R$10 bilhões, segundo a Secretaria de Estado de Desenvolvimento Econômico. Muitas dessas empresas podem ser consideradas como marcas independentes, porém não existe uma categorização específica para tal dado.

Além de um circuito artístico e gastronômico reconhecido, Belo Horizonte tem se destacado como um centro de fomento da moda. Seja pelo polo do estilo e tendência localizado no bairro Barro Preto, - que conta com mais de 800 lojas - pela criação do primeiro museu público de moda no Brasil, ou ainda pela relevância de figuras ilustres do segmento, como os mineiros Liliane Rebehy e Renato Loureiro, ações como a Feira Lab se juntam a potência cultural e independente dos estilistas, artistas e criadores do setor na capital mineira.

Quem Faz a Moda: os Expositores da Feira LAB

O evento já passou por quatro edições e no total foram cerca de 50 expositores! A cada edição novos expositores chegam e outros se mantém mês após mês, confiantes na potência que a feira tem e no público que atrai.

Um dos exemplos de como a Feira Lab fortalece pequenos empreendedores é o de Marciana Basílio (48), fundadora de duas marcas autorais: a Toda Elegante Brechó e a Mayaz, esta última batizada em homenagem às suas filhas, Maria e Yasmin. Trabalhando com upcycling, ela transforma peças jeans descartadas em roupas com nova identidade, inspiradas na moda urbana dos jovens. “Eu me inspiro mesmo nas ruas, vejo as pessoas, vejo os jovens, gosto muito da pegada que eles usam agora, e estou colocando essa identidade nas minhas peças”, afirma. Para Marciana, o contato direto com o público é essencial para fortalecer a marca, algo que a Feira Lab possibilita ao abrir espaço para criadores independentes se conectarem com consumidores interessados em propostas autênticas e sustentáveis.

Outro caso de como a Feira Lab impulsiona talentos locais, é a trajetória da Kodara, marca de streetwear criada em 2021 em Venda Nova. João Victor Bauer, fundador da marca, revela: “Nosso público é diverso, mas tem uma coisa em comum: gosta de vestir o que representa. São jovens que curtem moda de verdade, mas sem seguir padrão. E sim, os públicos da Feira Lab e da Kodara se cruzam muito”. Os fundadores começaram vendendo bebidas e brincos nas ruas durante os carnavais de 2024 e 2025, tudo para levantar capital suficiente para começar a marca, mas sempre com criatividade e persistência.

“A rua foi nosso primeiro ponto de venda e nunca paramos de usar a criatividade”, conta João.

Hoje, a Kodara se destaca por suas peças de tiragem limitada, que misturam arte urbana, cultura periférica e design independente. A prova de que o que nasce da realidade local tem força para transformar vidas e movimentar a economia veio com o reconhecimento da marca no ExpoFavela Minas 2025. Kodara, que aposta na moda como forma de expressão, resistência e liberdade, reforça como iniciativas independentes podem conquistar espaço sem abrir mão da autenticidade. O que é necessário são oportunidades!

Vale a pena conferir

A Feira Lab oferece mais do que compras, é uma imersão cultural. Ao reunir mobilizadores da moda, da gastronomia, da arte visual e da música sob um mesmo teto, o evento transforma a Savassi num centro de criatividade e convivência. A atmosfera vibrante, o apoio aos empreendedores jovens e a celebração da economia circular criam uma experiência que estimula a troca, a inspiração e a descoberta. Viccenzo (15), frequentador da feira, confirma o diferencial da feira: “É um ambiente muito bonito e organizado. Eu acho muito legal esse conceito dessas feiras porque tem uma pegada muito acessível, abrangente, bem democrática assim, para todos os públicos”.

Ao ser questionada sobre a experiência de estar na feira, Tainá Pessoa (20) demonstra a sua satisfação: “Nossa, é tipo uma experiência mesmo, sabe?... Tem as roupas que você vê, você pode tocar, experimentar, tem a música também, tem os drinks, tem a comida. Um rolê bem legal de fazer.”

Para quem valoriza o universo local, é uma oportunidade única de apoiar iniciativas genuínas e fortalecer aquela conexão real que só o contato direto proporciona. A Feira Lab não é apenas uma vitrine de talento: é a concretização de um movimento urbano que respira cultura, economia criativa e conexão humana. E marcas como a Kodara e a Toda Elegante Brechó provam que esse movimento é real, autêntico e impactante.

Se você quer sentir a identidade pulsante de BH, fique de olho nas próximas edições! Para ficar por dentro, basta seguir @/feiralab no Instagram.

Editoria: Maria Eduarda Collares
Revisão: Gabriel Barcelos